domingo, 20 de marzo de 2011

Horses

Josu Sein


Goldfrapp: "Horse tears"

Night is falling, mute and cold...
My horse is crying...




Tori Amos: "Horses"

I got me some horses to ride on, to ride on....
They say that your demons can't go there...




PJ Harvey: "Horses in my dreams"

Horses in my dreams, like waves, like the sea...
On the tracks of a train, set myself free again...


lunes, 14 de marzo de 2011

Rebirth

Josu Sein

Prematuramente envejecido. Una adolescencia poblada de canas. Facciones marcadas que se han ido suavizando. El miedo a la muerte reafirma mi deseo por la vida. Pero tengo algo que agradecerle a la muerte. Si el monstruo que odio soy yo mismo, ¿tendré que morir para matarlo? Quizás sea el camino. Todo renacimiento requiere una muerte. Pero un renacimiento con recuerdos para aprender del pasado y evitar los círculos a favor de las espirales. Recordar la vida anterior para buscar las mismas situaciones, aunque sea en diferentes lugares y con diferentes personas. Palabras no pronunciadas que hubieran cambiado el rumbo y que se pueden esta vez pronunciar al ser más fuerte con cada renacimiento. Lágrimas en la mano. Agua, subsistencia. Nada de debilidad, sino fuerza para conocerse a uno mismo. La burocracia que dominó la vida anterior sacrificada a favor de otras formas esta vez de autogobierno. Me entrego a vosotros espiritualmente sin reservas, pero no esperéis esta vez nada material a cambio si yo no lo recibo. Todos los momentos no vividos o desaprovechados de nuevo en el camino. ¿Qué importa la edad si se ha vuelto a nacer? El aspecto juvenil del rostro frente a la ancianidad adolescente tiene que ser inevitablemente el comienzo del proceso, ¿pero se trata ya de un renacimiento desaprovechado o del que aún no se ha aprendido por estar en la primera fase de la infancia, o acaso se trata de un mero deseo? Tampoco menospreciemos los deseos. La ausencia de emociones conduce a la muerte, aunque sea denominada nirvana. Primer paso. Aceptación de la existencia de todas las emociones para desechar las nefastas.

Josu Sein

jueves, 10 de marzo de 2011

Jean-Pierre Jeunet

Surrealismo para retratar eso que llamamos realidad. Comedia para representar el drama. Divertida estética de cómic para mostrar duros paisajes y sociedades postapocalípticas. Son algunas de las características que definen el genial trabajo de este director de cine que trajo al panorama cinematográfico una frescura necesaria y un estilo identificable e inconfundible, algo que suele brillar por su ausencia.
Jean-Pierre Jeunet nació el 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne, Loira, en la región de Ródano-Alpes. Ya con 17 años estaba interesado en el cine y comenzó a rodar cortos con la primera cámara que se compró. Mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios se hizo amigo del diseñador y artista de cómics Marc Caro, quien sería su colaborador y co-director durante largo tiempo, dirigiendo conjuntamente varias películas de animación premiadas.
Su primer corto ya con personas reales fue "The Bunker of the Last Gunshots" en 1981, sobre soldados en un mundo futurista. Fue con esta misma temática relacionada con sociedades distópicas retro-futuristas con la que se dio a conocer en el mundo entero 10 años después, en 1991, cuando el inimitable film que rodó junto a Marc Caro, "Delicatessen", dio la vuelta al mundo gracias a su originalidad, consolidándolo como uno de los nuevos grandes directores de los años 90.

Filmografía:

Delicatessen ("Delicatessen", 1991): Con una divertidísima estética de cómic reforzada por la manera de rodar la película y los primeros planos utilizados, esta película se ambienta en un complejo de apartamentos post-apocalíptico en una Francia de un tiempo ambiguo. Se trata de un dilapidado edificio en una Francia rural y post-apocalíptica de 1950. La comida escasea, el grano es usado como moneda y la población animal es cazada hasta prácticamente su extinción mediante ingeniosos aparatos que simulan los sonidos de las diferentes especies animales con el objetivo de atraerlas. Al pie del edificio se encuentra una carnicería perteneciente al casero, Clapet, quien coloca anuncios en busca de empleados en el periódico "Tiempos Duros" para atraer víctimas al edificio, asesinarlas y venderlas como carne a los habitantes del edificio. El payaso desempleado Louison, interpretado por Dominique Pinon, el actor fetiche de Jeunet, llega por la vacante y durante su rutina de mantenimiento se hace amigo de Julie Clapet, hija del carnicero que siente repugnancia por lo que su padre hace, con quien comenzará una relación amorosa. Julie desciende a las cañerías para encontrar a los temidos Trogloditas, un grupo rebelde de terroristas vegetarianos (genial e irónico guiño a nuestra nefasta forma de vida basada en la explotación animal) a quienes convence para que rescaten a Louison, consciente de que su padre pretende matarlo y venderlo en la carnicería. Louison, Julie y los vegetarianos salen vencedores gracias a estrategias que rayan el absurdo a pesar de su efectividad, y es que es de agradecer que una película como ésta esté planteada en forma de comedia, con una iluminación y colorido que tiende el sepia y donde abundan, con una fantástica banda sonora, las correlaciones entre sonidos y acciones provenientes de diferentes pisos, como cuando la frecuancia de los sonidos de los muelles de la cama mientras el carnicero y su amante practican sexo va en aumento e incita a que el resto de vecinos aumenten también la velocidad de sus actividades al escuchar los muelles, así como acciones en cadena que podríamos denominar como "efecto mariposa". El hecho de que toda la película fuera grabada en estudio le da, si cabe, más valía a este genial largometraje que proporcionó una nueva visión al cine de la época.

La cité des enfants perdus ("La ciudad de los niños perdidos", 1995): En esta película de nuevo realizada junto a Marc Caro y rodada íntegramente en interiores, con guiños a cineastas como Terry Gilliam y Jean Cocteau, un genio loco, el brillante científico Krank, un hombre mayor que no puede soñar y que vive en una plataforma en el mar, se dedica a raptar niños huérfanos y abandonados para almacenar sus sueños mediante una máquina y rejuvenecer debido a su envejecimiento acelerado causado por su incapacidad para soñar. Este científico fue creado a su vez por otro hombre desaparecido que le causó su incapacidad tanto para soñar como para llorar, por lo que carece de emociones. Este primer científico intentó crear la familia pefecta. Una mujer bella y tierna que resultó ser una enana traidora, otra serie de clones que al contrario que su gran proyecto que pretendió ser Krank padecen narcolepsia, y un cerebro que vive en un acuario en el intento del científico por tener una compañía que estuviera a su mismo nivel intelectual. Con estos variopintos personajes son con los que vive Krank en la plataforma. El elenco de personajes provenientes de la ciudad que recuerda a una Venecia rodeada de niebla construida durante la revolución industrial lo completan 2 malvadas hermanas siamesas que utilizan a niños abandonados para obligarles a robar y enriquecerse, proporcionándoselos de la misma manera a Krank mediante una secta de individuos que se provocan la ceguera y utilizan un aparato para ver el mundo de manera similar a como se ve a través de cámaras de infrarrojos, un domador de pulgas que inyectan en el cuerpo del ser en el que se encuentran una sustancia que provoca agresividad cuando el domador hace sonar una música, Miette, una niña huérfana de 9 años, y One, un hombre forzudo, de pocas palabras y gran corazón que quiere recuperar a su hermano pequeño desaparecido y que establece una estrecha relación con la niña. Estos 2 últimos personajes serán los encargados de resolver la red de explotación infantil.
Como ya ocurrió en "Delicatessen", la trama está poblada por "efectos mariposa" causados por situaciones que rayan el absurdo y que provocan a su vez consecuencias, todo al servicio de la defensa de las emociones y la inocencia.

Alien: Resurrection ("Alien: Resurrección", 1997): 2 siglos después de la muerte de Ellen Ripley, ésta es clonada para obtener con fines militares de su interior a la alien reina que estaba gestando en la tercera parte de la saga, provocando una fusión entre el organismo humano y el extraterrestre tanto en el alien como en la propia Ellen Ripley. Poco más hay que decir sobre esta película de encargo que lo único que tiene de personal es el equipo habitual de Jeunet (actores, director de fotografía, etc., ya que trabajar con el mismo equipo es otra de las señas de identidad de Jeunet) y cierta estética surrealista, sin mayor pretensión que la de un simple entretenimiento para las masas y el enriquecimiento de la productora, pero a lo que hay que prestar atención y lo que tiene importancia es que con este filme Jeunet lo que pretendió fue obtener ganancias para comenzar su carrera en solitario, ya sin Marc Caro y sin problemas para llevar a cabo sus proyectos, cosa que consiguió sobradamente y de manera más que satisfactoria.

Le fabuloux destin d'Amélie Poulain ("El fabuloso destino de Amélie Poulain", 2001): Con éste su primer largometraje de autor en solitario, escrito junto a Guillaume Laurant y ya rodado en exteriores, Jeunet consiguió que todo el mundo relacione su nombre con "Amélie", más quizás incluso que con "Delicatessen". Jugando de nuevo con las reacciones en cadena y con excéntricos personajes, Jeunet retrató la vida de una guapa, generosa, tímida y solitaria joven con una imaginación sin límites que en un onírico y colorista París pretende arreglar la vida de todo el mundo hasta que las circunstancias la llevan a arreglar la suya propia, construyendo su fabuloso destino, tal como dice el título, sobre la marcha de manera que el encadenamiento de casualidades en ocasiones buscadas consigue que encuentre el amor y la tranquilidad, todo acompañado por la bella banda sonora compuesta por Yann Tiersen y una iluminación, planos y movimientos de cámara que encajan con su personalísimo estilo que ya mostró en sus 2 primeros largos. Surrealismo en estado puro. C'est l'amour...

Un long dimanche de fiançailles ("Largo domingo de noviazgo", 2004): Basada en una novela de Sébastien Japrisot, esta película protagonizada de nuevo por Audrey Tautou narra la historia de una joven coja que busca desesperadamente a su novio desaparecido en la Primera Guerra Mundial, convencida de que no ha muerto. Mathilde, que así se llama la protagonista, comienza su ardua búsqueda encontrando a cada uno de los supervivientes de la trinchera en la que 5 soldados, entre los que se encontraba su novio, se automutilaron para escapar del ejército, con el riesgo de ser condenados a muerte si se descubría que los daños eran autoprovocados. Mathilde comienza a contrastar las historias de todos y averiguar el paradero de personas que intervinieron en ellas de manera indirecta hasta lograr atar cabos.
Aunque hay guiños al absurdo como en sus anteriores películas, y cómo no, a la correlación de acontecimientos, resulta mucho más dramática que las anteriores historias de Jeunet, acompañada por la hermosa banda sonora de Angelo Badalamenti y mostrando ya una clara posición antibelicista al mostrar las miserias de la guerra, antibelicismo en el que también se basaría su suguiente largometraje.

Micmacs à tire-larigot ("Micmacs: Un plan de locos", 2009): Escrita al igual que "Amélie" por el propio Jeunet junto a Guillaume Laurent, narra la historia de Bazil, un chico de 30 años que resulta herido al salir del videoclub en el que trabaja tras escuchar disparos y coches derrapando. Uno de los disparos va a parar a su cabeza, y el cirujano decide dejarle la bala aunque puede morir en cualquier momento por el riesgo a que quede como un vegetal si se interviene quirúrjicamente. Tras quedarse en paro y durmiendo en la calle conoce a un grupo de, cómo no, extravagantes personajes entre los que se encuentran una contorsionista, una bala de cañón humana o una chica que realiza cálculos matemáticos al instante, entre otros, y que le ayudarán a vengarse de los fabricantes de armas tanto de la bala que le hirió como de la mina antipersonas que mató a su padre cuando Bazil era un crío y que se dedican a proporcionar armas también a organizaciones terroristas. Ni qué decir tiene que la venganza resulta cómica, ya que Jeunet volvió con este largometraje al surrealismo y la concatenación de absurdos. Se describió como una mezcla entre "Delicatessen" y "Amelie", y de hecho muestra una iluminación y escenarios similares a los de la primera y unas tramas y diálogos similares a los de la segunda, compartiendo la esencia de ambas que ha mantenido a lo largo de toda su filmografía, de manera que no llegó a satisfacer a los amantes de "Delicatessen" ni a los amantes de "Amélie", pero aunque ciertamente ambas sean mejores que "Micmacs" no se le debe restar valor, ya que satisfará plenamente a los amantes de Jeunet como director cinametográfico y narrador de historias. Lamentablemente, aunque la película fue estrenada en todo el mundo a principios del 2010 y lleva muchísimo tiempo editada en DVD en el resto de países, en España ni se estrenó en los cines ni está editada en DVD. ¿Se llegará a estrenar? Puede ser, aunque los cinéfilos sabemos muy bien la cantidad de películas que se llegan a ver incluso 2 años después de su estreno mundial e incluso que no llegan a estrenarse, incluyendo películas de directores consagrados. Pero claro, entre la ley antidescargas que si resulta eficaz incluye a obras no estrenadas/publicadas o descatalogadas, y que la mayoría de la gente se traga las obras dirigidas al público de masas y desconoce absolutamente el resto del amplísimo abanico, clara y evidentemente vamos a llegar a destacar por nuestro gran nivel cultural...

Quizás incluso antes de que "Micmacs" se estrene o se edite en DVD ya estarás estrenando tu siguiente largometraje, pero no dudes, Jean-Pierre, de que los amantes de tu desbordante surrealismo-denuncia como alternativa a una anodina y artificiosa realidad siempre te seguiremos de cerca.

sábado, 5 de marzo de 2011

Darren Aronofsky

Tras sus 5 largometrajes, es difícil ya pensar que Darren Aronofsky sea capaz de hacer algo mal. Nacido en Brooklyn el 12 de febrero de 1969, consiguió diversos premios con su cortometraje "Protozoa" en 1993, protagonizado por una aún desconocida Lucy Liu, corto que además sirvió para dar nombre a la que sería su futura productora, Protozoa Films. Unos años después, en 1998, irrumpió en la escena cinematográfica con "Pi: Fe en el caos", dejando hipnotizados a todos los amantes del cine al presentar una película diferente y totalmente identificable con el estilo Aronofsky. Para financiar la película de manera completamente independiente, pidió a sus amigos y familiares unas donaciones de 100$ por persona. A todos ellos les prometió que si la película hacía dinero les devolvería 150$ a cada uno. Evidentemente no tenía ni idea de que finalmente tendría que hacerlo. Con un presupuesto inicial de 60.000 dólares, acabó amasando 3.221.152$ sólo en Estados Unidos. Después de su recaudación en DVD, esa cifra se incrementó considerablemente. Posteriormente se afianzó como uno de los grandes nuevos directores con "Réquiem por un sueño", su segundo largometraje, dejando claro su estilo y sus obsesiones. Toda su filmografía gira en torno a un enfermizo deseo de perfección al que nuestra represora sociedad nos conduce, un deseo de perfección que en muchos casos se concluye con diversas adicciones de todo tipo que van más allá de las drogas y con la autodestrucción. Tras ver identificada en personajes de sus películas a mucha gente de mi entorno de una manera u otra, aunque no se llegue a tales extremos, ¿alguien se anima a aprender de Darren Aronofsky para liberarse de la presión tanto social como personal y no repetir conductas y patrones?

Filmografía:

Pi ("Pi: Fe en el Caos", 1998): Rodada en un contrastadísimo b/n y con un guión del propio Darren, la película cuenta la historia de Maximilian, un prodigioso matemático obsesionado con descifrar la secuencia completa del número Pi. Max, un solitario y obsesivo individuo que vive solo y huye del amor y que pretende descifrar el modelo matemático de la bolsa al obsesionarse con que mediante los 216 dígitos del número Pi puede realizar predicciones y descifrar patrones que se repiten en la naturaleza, acaba acosado por una empresa que descubre que las predicciones de Max sobre la bolsa son muy exactas y por una secta judía que desea obtener los 216 dígitos que para ellos, basándose en la cábala, representan el verdadero nombre de Dios que se perdió en la destrucción del segundo templo de Salomón. Después de diversas discusiones con su antiguo profesor, que también estuvo en su momento obsesionado con el mismo tema, y de acercarse emocionalmente a una vecina dejando de lado su vida de ermitaño, el martirio que suponen sus continuas migrañas y sus desdoblamientos de presonalidad finaliza cuando se da cuenta de que sólo al abandonar el estrés el conocimiento llega de manera más intuitiva.
Ya en este su primer largometraje Darren comenzó a formar un equipo con profesionales con los que ha continuado trabajando hasta el día de hoy, como el músico Clint Mansell o el director de fotografía Matthew Libatique. Darren Aronofsky creó un personalísimo estilo cinematográfico basado en un montaje rápido con continuos cortes y planos detalle fugaces, así como unos angustiosos movimientos de cámara que de manera mareante reproducen todos los pasos de los protagonistas.

Requiem for a dream ("Réquiem por un sueño", 2000): Basada en la novela homónima de Hubert Selby Jr. de 1978 y con un guión de los propios Darren y Hubert, la historia cuenta la vida de cuatro personas con diversas adicciones. Se trata de una madre adicta a la televisión y como consecuencia a las anfetaminas para adelgazar y poder aparecer delgada en un concurso televisivo aunque donde acaba es en un manicomio, su hijo adicto a la cocaína y la heroína con fatales consecuencias, su novia que acaba prostituyéndose al ver que su sueño de abrir una tienda de ropa con sus propios diseños no tiene ningún futuro, y el amigo de ambos que acaba en la cárcel debido al tráfico de drogas. Las interpretaciones de Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Conelly y Marlon Wayans son francamente insuperables.
En este largometraje, rodado ya en color, Darren continuó con aquel estilo que desarrolló en "Pi", un estilo asfixiante debido a los continuos cortes, planos detalle (pupila que se dilata, pastilla a la boca, etc., al igual que en su primer largometraje) y a la cámara que reproduce los continuos movimientos de los protagonistas. La dramática música compuesta por Clint Mansell dio la vuelta al mundo, intentando desvirtuarla y sacarla de contexto, cosa que no se ha conseguido, al utilizarla para infinidad de spots publicitarios, programas de televisión e incluso anunciar "El Señor de los Anillos" cuando dicha composición no aparece en esta saga.

The Fountain ("La fuente de la vida", 2006): En esta película Darren abandonó el estilo descrito anteriormente para apostar por una puesta en escena y una música mucho más tranquilas, a pesar de que se pueden establecer parelelismos con "Pi" al unir ciencia y metafísica y mostrar un final similar al dar a entender que la plenitud llega una vez abandonados el estrés y los conflictos emocionales, aunque la razón por la que fue infravalorada sea quizás ese final demasiado new age para tratarse de una temática en principio tan transgresora. Se trata de un investigador y oncólogo cuyo trabajo está motivado por su esposa, enferma de cáncer. Cuando él y su equipo fracasan con las pruebas en un mono llamado Donovan, Tommy, el médico protagonista, rompe el protocolo médico y usa un compuesto derivado de un extraño árbol de Guatemala que se identifica con el Árbol de la Vida descrito en el Génesis. El fármaco no detiene el crecimiento del tumor, pero sorprendentemente rejuvenece al mono y posteriormente se cura tras mejorar sus heridas y capacidades cognitivas. La película se desarrolla en 3 niveles paralelos. Mientras Tommy, el oncólogo, intenta hallar una curación para su esposa, ella está escribiendo un libro ambientado en la época de la Inquisición Española en el que ella es la Reina y él el Conquistador que va en busca del Árbol de la Vida para encontrar la inmortalidad, mencionando también a Xibalbá, una nebulosa brillante que representa el inframundo maya al que viajan todas las almas cuando mueren. Al mismo tiempo que la historia se desarrolla en pasado y presente, en el futuro planteado en el filme el protagonista, un astronauta, viaja hacia una nebulosa dorada identificada con Xibalbá en una nave espacial esférica que también alberga el Árbol de la Vida mientras medita y realiza prácticas de Tai Chi Chuan, pero es atormentado por visiones de su mujer, por lo que sólo al enfrentarse a su miedo y a la muete es cuando permite que el libro sea finalizado. Como es habitual en la filmografía de Darren, muchos de sus personajes encuentran la libertad con la muerte.
La idea original y el guión son del propio Darren, y la película pudo ver la luz después de que Darren la llevara a cabo de manera independiente al ser rechazada por los grandes estudios una vez comenzado ya el proyecto en el que no intervino Brad Pitt, a quien estaba destinado el personaje principal.. A pesar de tratarse de una película que por su desenlace y por su cambio de estética obtuvo a partes iguales tanto nefastas críticas como alabanzas que la elevaban a la mejor película de los últimos tiempos, no se puede negar que tanto la idea central de la historia con sus 3 niveles de realidad diferentes pero unidos y su manera de llevarla a cabo con una fabulosa estética y fotografía, resultan novedosas, originales y muy bien resueltas, y más teniendo en cuenta que pocos años antes películas de ciencia ficción como "Matrix" obtuvieron el éxito que obtuvieron. Tanto las imágenes como los diálogos desprenden una poética desbordante.

The Wrestler ("El luchador", 2008): Esta historia, con un guión de Robert D. Siegel, narra la historia de un luchador de wrestling encarnado por Mickey Rourke que después de haber estado en la cima y obtener la mayor fama posible, lucha los fines de semana en combates semiprofesionales independientes por un dinero extra. Viviendo en una caravana que a duras penas puede pagar, enamorándose de una stripper de un local al que es asiduo, e intentando hacer las paces con una hija a la que abandonó de pequeña, se da cuenta de que sólo en el wrestling se ha sentido valorado, que no vale para nada más después de trabajar en un supermercado y que no encuentra otro lugar en el mundo, llevando su decisión hasta sus últimas consecuencias mientras se sigue inyectando esteroides y se prepara para su vuelta al estrellato al plantearse un combate del 20 aniversario con su más conocido oponente, a pesar de que poco antes tuvo un ataque al corazón y se le implantó un bypass que le impide seguir luchando e inyectándose esteroides.
La película está rodada de manera que la cámara sigue a Mickey Rourke por detrás mientras camina largos ratos por diferentes lugares, produciéndose bruscos cortes en secuencias que podrían alargarse para crear angustia pero que dan lugar a otras secuencias de la frustrada vida de los personajes, creando más angustia de la que se podría obtener de otras maneras. Es un filme que cuenta con todo detalle en qué consiste la vida real de los luchadores de wrestling y el intríngulis de los combates, así como transmite a la perfección lo que puede sentir alguien cuando todo lo que le hacía feliz desaparece sin que haya vuelta atrás, como ocurrió en "Réquiem por un sueño".

Black Swan ("Cisne negro", 2010): Tras desarrollar su habitual temática desde diferentes puntos de vista en sus anteriores largometrajes, Darren le ha dado una nueva vuelta de tuerca con "Cisne Negro". Darren llevaba años queriendo trabajar con Natalie Portman y planteándose llevar a la pantalla una historia basada en el mundo del ballet, que siempre ha sido un complemento pero no ha sido mostrado desde el interior contando con profesionales reales del ballet, así que finalmente los guionistas realizaron hasta 30 versiones de la historia propuesta por Darren, obsesionado con "El lago de los cisnes" y con la idea de los personajes dobles de el Cisne Blanco y el Cisne Negro. En esta historia para la que Natalie Portman tuvo que convertirse en una bailarina real en pocos meses con extraordinarios resultados, el director de una compañía de ballet decide llevar a cabo una adaptación libre de "El lago de los cisnes", sustituyendo a la que fue la estrella de la compañía hasta ese momento por otra bailarina, Nina, a la que somete a una fuerte presión para que encarne tanto al Cisne Blanco, la mujer transformada en cisne y que sólo a través del amor puede romper el hechizo, papel para el que Nina no tiene ningún problema debido a su perfección técnica y su aséptica y virginal manera de bailar, como al Cisne Negro, su lujuriosa doble que consigue conquistar al príncipe de manera que el Cisne Blanco acaba suicidándose para conseguir su libertad. Viviendo con una madre castradora que mantiene en una perpetua infancia a su hija y que pretende hacer de ella lo que la propia madre no consiguió en su carrera, Nina es sometida a un terrible estrés para poder llegar a soltarse, dejarse llevar y alcanzar la perfección plena más allá de la meramente técnica, perfección que lleva hasta el extremo de hacer realidad la historia completa de "El lago de los cisnes" tras sufrir desdoblamientos de personalidad, proyectar su propio lado oscuro en su nueva amiga, otra bailarina con la que establece una cada vez más más estrecha relación y con la que se ha obsesionado creyendo que pretende quitarle su papel, y transformarse "físicamente" en el propio Cisne Negro.
Además de poder establecerse paralelismos con la durísima "La pianista" de Michael Haneke en lo que a la relación de la madre y la hija se refiere, al igual que en "El luchador" la historia gira en torno a una persona que basa toda su vida y su actividad en su propio cuerpo llevándolo hasta sus últimas consecuencias, de la misma manera que los personajes de sus primeros largos hicieron con su intelecto, y como es habitual en el cine de Darren, se presentan comportamientos obsesivo-compulsivos, desdoblamientos de la personalidad, y una nefasta presión y deseo de perfección proveniente tanto del exterior como del interior de los protagonistas que los lleva hasta la autodestrucción llevándose por delante también a la gente de su entorno.

Ya hay varios proyectos futuros en manos de Darren. De momento "The Wolverine" está prevista para el 2012, una película de encargo basada en el personaje de los X-Men que pretende darle una visión más personal y profunda a esta historia de superhéroes, como ya hiciera Tim Burton con Batman.

Sigue así, Darren. El panorama cinematográfico que ha conseguido llegar a las grandes masas sería sumamente insulso si no fuera gracias a genios como tú.

www.darrenaronofsky.com


miércoles, 2 de marzo de 2011

Sophie Lancaster

En agosto del 2007 Sophie Lancaster, de 20 años de edad y con un gran futuro académico por delante, y su novio, Robert Malby, de 21 años de edad, fueron agredidos en el Reino Unido por una pandilla de cabrones adolescentes únicamente por la estética gótica de las víctimas. Según sus asesinos, en tono de mofa, no se podía saber quién era el chico y quién la chica. Sophie intentó amortiguar los puñetazos y golpes de los agresores a su novio con su propio cuerpo. A causa de esta brutal paliza ambos entraron en coma. Robert salió del coma y sobrevivió, mientras que Sophie murió. Algunos de los asesinos fueron condenados a años de cárcel.

Éste es el corto de animación que se realizó en honor de Sophie y a favor de la tolerancia en el 2009, dirigido por Fursy Teyssier y con la siempre escalofriante "Roads" de Portishead como banda sonora:

Dark Angel