sábado, 23 de mayo de 2009

Tim Burton


Cada vez que cualquier persona con un universo particular e identificable a primera vista consigue llegar a las masas y ser superventas, cosa que no suele ser habitual, aparecen tanto fanáticos que imitan su estética como estúpidos críticos que hablan sobre su supuesta falta de originalidad al repetirse constantemente (coño, es que estamos hablando de gente CON PERSONALIDAD, lógico que se repita cierta estética y temática, pero eso es coherencia, no falta de ideas). Esto lo digo porque últimamente leo bastantes estúpidas críticas, de esa clase de gente que no tiene nada bueno que decir de nadie, cosa que revela bastante sobre ellos mismos, hablando de la falta de originalidad de Tim Burton en futuros proyectos en los que supuestamente aparecerán vampiros y fantasmas para atraer a más "emos" y seguirles la corriente, cuando el propio Burton dice que si sigues su filmografía por el simple hecho de ser un emo, es que no entiendes absolutamente nada y que mejor te abstengas de intentar pertenecer a su círculo de amistades. A mí mismo, al ver autorretratos míos por aquí, se me ha criticado por ser supuestamente un "emo" cuando ni siquiera había escuchado en mi vida ese término. ¿Tan difícil es entender que a uno le atraiga todo ese universo gótico no porque vaya de víctima ni busque el sufrimiento (mentes simples...), sino porque al contrario, en él te sientes bien? Toda esa clase de críticas proviene de gente con tendencia a marginar a los demás, y esa es la esencia del cine de Tim Burton, criticar a los que marginan y defender a los marginados.
Timothy William Burton, nacido en Burbank, California, el 25 de agosto de 1958, fue catalogado desde niño como inadaptado social e introvertido. Se pasó la infancia representando junto a su hermano parodias relacionadas con delitos sangrientos, y siempre mostró interés por el cine de terror y ciencia-ficción de bajo presupuesto. Uno de sus pasatiempos favoritos era asustar a los hijos de sus vecinos diciéndoles que los extraterrestres estaban a punto de invadir La Tierra. Fascinado también por el dibujo, al acabar el bachillerato ingresó en su segundo año universitario en el Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney a manera de plataforma alternativa de aprendizaje para jóvenes interesados en la animación (creo que Burton es lo único bueno que ha salido de la factoría Disney...). Fue ahí cuando los estudios Disney lo contrataron para futuros filmes y proyectos, y a pesar de que las mentes simples de los jefazos no entendían sus peculiares ilustraciones (y mira que después su libro de poemas e ilustraciones "La melancólica muerte de Chico Ostra" ha tenido tal éxito que hasta se fabrican muñecos basados en los personajes), Tim comenzó con su conocida carrera artística, con unas películas cuyos elaboradísimos títulos de crédito iniciales ya de entrada son muy característicos.

Filmografía:

Vincent (1982): El primer cortometraje de Tim, de 5 minutos de duración, se basó en un minirrelato infantil que había escrito poco antes. Rodado en b/n con la técnica de stop motion (fotograma a fotograma) e influenciado por el expresionismo alemán y por los relatos de Edgar Allan Poe, es imposible no advertir tintes autobiográficos. Se trata de un niño poco social y aficionado a los relatos de terror al que los estúpidos adultos no dejan en paz. Uno de los héroes de la infancia de Tim fue Vincent Price, actor habitual en las películas de terror dirigidas por Roger Corman. El niño que protagoniza el corto de animación se llama Vincent, y fue el propio Vincent Price el que narró el corto (se trata de un poema). Esta experiencia marcó el inició de una buena amistad entre Price y Burton, la cual persistiría hasta la muerte del primero, ocurrida en 1993. El cortometraje obtuvo diversos premios.

Frankenweenie (1984): En su siguiente cortometraje, de 25 minutos de duración y en b/n ,un niño llamado Víctor Frankenstein (las 2 figuras en las que se basó son obvias) pierde a su perro Sparky, que es atropellado por un coche, y Víctor se las ingenia para resucitarlo. Todo ocurre en un agradable vecindario lleno de preciosas casitas de producción en cadena, como en "Eduardo Manostijeras". Los vecinos, asustados de todo lo "diferente", detestan al perro y se empeñan en matarlo. Antes de morir de nuevo, Sparky le salva la vida al propio Víctor, y sólo después de esta heroicidad los vecinos lo aceptan y lo vuelven a resucitar. Exactamente el mismo concepto que en "Eduardo Manostijeras", sólo que ésta última la trama argumental, más realista, es inversa. Primero adorado por su extrañeza, y después despreciado por no seguirles la corriente. Y a pesar del final feliz de Frankenweenie y de ser claramente infantil, los estudios Disney decidieron archivarla indefinidamente para evitar su distribución con la razón de que «su contenido sería demasiado fuerte para las audiencias infantiles». ¡¿Cómo?! Puta factoría Disney... Evidentemente después del éxito cosechado por Burton han reculado, y su siguiente proyecto es precisamente un largometraje basado en este corto.

Pee-Wee's big adventure ("La gran aventura de Pee-Wee, 1985): Burton ya había empezado a atraer la atención de ciertos sectores de la industria, y aquel año el actor Paul Rubens le ofreció dirigir la versión cinematográfica de su popular personaje americano, Pee-wee Herman. Con un bajo presupuesto y un guión no escrito por él pero muy bien adaptado a su universo personal, Burton se dio a conocer al gran público con una película en la que a un cómico, absurdo e infantil Pee-Wee que vive en una casa de juguete le roban su preciada bicicleta y emprende una aventura por diferentes estados para recuperarla. Burton le pidió al guitarrista y vocalista del grupo Oingo Boingo, Danny Elfman, que se encargaran de la banda sonora, convirtiéndose en inseparables desde entonces. El cine de Burton es prácticamente inconcebible sin la música de juguete de Danny Elfman. A pesar de mostrar la temática y personajes que se repetirían en toda su filmografía, es decir, personas a las que se considera "diferentes" y que viven en su propio mundo (el propio Burton ha llegado ha decir que es positivo que te consideren raro porque te permite vivir tu propia vida con más facilidad y sin tener que dar explicaciones, y su mujer Helena Bonham Carter ha declarado que está convencida de que su marido sufre un tipo de autismo, para ella una virtud que lo convierte en un genio y que explicaría el que en todas sus películas los protagonistas vivan en un mundo personal diferente al que les rodea), el film ha solido ser criticado por considerarlo simplón y por su estética colorista y nada gótica, pero, ¿puede alguien decirme qué diferencia hay entre esta película y su posterior "Charlie y la fábrica de chocolate"? Tanto la estética como el personaje principal son idénticos. A mí me fascinó desde la primera vez que la vi.

Beetlejuice ("Bitelchús", 1988): En España, que somos así de simples y estúpidos, se tradujo la película tal como suena en spanglish, aunque es el nombre propio de un personaje que literalmente se traduce como "zumo de escarabajo". A pesar de que ni el guión ni el argumento son de Tim Burton, la mítica película está basada en un personaje creado por él, un difunto que vive en el "No-Mundo", recreación del mundo real según la visión de los muertos. Beetlejuice trabaja precisamente como "exorcista de los vivos", es decir, ayuda a los fantasmas a echar de su hogar, a cualquier ser vivo que les pueda molestar. Algo así como "Los otros" pero en plan comedia. Beetlejuice fue diseñado como un hombre sucio, grosero y pícaro, cuya idea de una buena alimentación son las cucarachas, va desaliñado y vestido con un anticuado traje a rayas, y es capaz de transformarse o de desfigurar su cuerpo a su antojo en las más diversas y grotescas formas. Una joven pareja (Alec Baldwin y Geena Davis), después de adquirir una hermosa casa en las afueras de la ciudad, sufre un accidente de coche en el que mueren, sin ellos sospecharlo. Un matrimonio nuevo, formado por la extravagante escultora Delia y su apocado marido Charles, junto con su hija Lydia (Winona Ryder), compra la casa y los fantasmas se ven deshauciados contra su voluntad, por lo que, tras descubrir su nueva naturaleza, piden ayuda a Beetlejuice, un excepcional Michael Keaton, con las consecuencias que esto acarreará...
Si estoy decaído, no tengo más que ver esta película para sentirme mejor.

Batman (1989): Burton recibió la propuesta de dirigir su próximo largometraje acerca del superhéroe Batman, en esta ocasión, con un colosal presupuesto para su realización, y a pesar de las discusiones con los productores de la película, Tim se salió con la suya y consiguió que Batman fuera interpretado de nuevo por Michael Keaton y Jocker por Jack Nicholson. Menos mal que lo consiguió, porque Michael Keaton encarnó a un Batman muy coherente con el resto de personajes de su filmografía. Es un tipo normal y tímido que vive en su propio mundo (y, menos mal, nada musculoso ni chorradas de esas), y para suplir sus carencias se convierte en un héroe que ayuda a los habitantes de la tan lograda y gótica Gotham City, un oscuro héroe que no deja de ser una proyección de algo que el propio protagonista ya lleva dentro. ¿Y quién mejor que Jack Nicholson, también, para encarnar a un maligno payaso? Prácticamente ni maquillaje le hubiera hecho falta. "Batman" se convirtió en el éxito de taquilla más grande de aquel año.

Edward Scissorhands ("Eduardo Manostijeras", 1990): Burton, con un guión coescrito junto a Caroline Thompson, llevó a la pantalla la que seguramente sea su mejor película. Lo tiene todo. Un oscuro y gótico castillo junto a la supuesta paz de los pueblos americanos, coloristas por fuera pero de alma negra, mucho más siniestra que el propio castillo. Una historia de amor entre un marginado social y la chica más popular del instituto. Un artista entre gente que sólo se siente segura dentro de la homogeneidad. Johnny Depp encarnó a Edward, un personaje creado y traído a la vida por un excéntrico inventor interpretado por Vincent Price, en la que fuera su última actuación antes de fallecer. Antes de terminarlo el inventor muere repentinamente, y Edward queda con tijeras en lugar de manos. Una buena mujer se preocupa por él y lo lleva a su casa, donde es obligado a aprender y seguir las estúpidas normas de la "civilización" mientras los vecinos se divierten con él y con sus habilidades como si fuera un mono de feria, hasta que Edward se cansa de que lo manejen... Tanto Johnny Depp, inseparable de Burton desde entonces, como Vincent Price, dijeron que era una película absolutamente autobiográfica y que Edward era Tim.
¿Hay alguien que no llore o no se emocione con el final y el símil entre la nieve y el hielo que las tijeras de Edward despedazan para construir sus bellas esculturas por los siglos de los siglos?

Batman returns ("Batman vuelve", 1992): Aunque Warner Bros había rechazado producir "Eduardo Manostijeras" a pesar del éxito de "Batman", Burton finalmente accedió a dirigir la secuela de la franquicia, con la condición de que tuviera total control creativo en el largometraje. En este caso no vale eso de que segundas partes nunca fueron buenas. Es, de hecho, mejor que la primera. Más personal, más gótica, más oscura sin perder el sentido del humor, más Burton. Michael Keaton de nuevo como Batman, fue acompañado por Danny DeVito como Pingüino, la felina Michelle Pfeiffer como Catwoman, y Christopher Walken como el corrupto alcalde de Gotham City. Ni los nuevos personajes ni los actores que los interpretan podrían haber sido más acertados. Las características de Batman ahora se repiten también, aunque encauzados de diferente manera, en Pingüino y Catwoman. Los 3 son o fueron personas tímidas, despreciadas o marginadas por su entorno. Los 3 llevan una doble vida para poder sacar a la luz todo lo que llevan reprimido. Catwoman; esa sí que es una gran superheroína. Enamoradito me quedé de ella... (en la versión de Burton, claro, no en las mamarrachadas que se han hecho después).

The Nightmare before Christmas ("Pesadilla antes de Navidad", 1993): Conocida como "Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton" para dejar claro que la historia, la estética y el diseño de los personajes que protagonizan este musical de animación en stop motion son de Tim Burton, la labor de dirección la llevó finalmente Henry Selick, basándose en todo momento en lo que Burton quería, que figuró como co-productor, ya que Tim se encontraba inmerso en el proyecto de "Batman vuelve". Basada en un poema que anteriormente había escrito Burton, se repite el mismo tipo de personaje pero se le da la vuelta. Esta vez no se trata de un personaje marginado por ejercer de sí mismo. Se trata de Jack Skellington, el rey de Halloween Town, amado y respetado precisamente por hacer siempre lo que se espera de él, aunque él se siente solo y aburrido de celebrar la misma fiesta año tras año. Descubre que existe la ciudad de la Navidad (lo que sería nuestro mundo) y rapta a Santa Clavos para aprender de él y celebrar la Navidad en lugar de Halloween. Los personajes de Halloween son extravagantes, singulares, traviesos pero no malvados, sólo buscan disfrutar. En la Navidad en cambio, bajo su superficial paz y alegría, los regalos y los colores, se esconden estúpidas normas que obligan a todo el mundo a actuar de la misma manera, no existe sentido del humor ninguno, y disponen de armamento para atacar a todo el diferente que se encuentren por el camino por muy buena intención que tenga. Como la vida misma...
Como curiosidad, la serpiente que aparece en "Beetlejuice" y que se traga al mismo, vuelve a aparecer aquí.

Ed Wood (1994): En 1993, la socia de Burton, Denise Di Novi, le propuso financiar una especie de biopic sobre Ed Wood, o lo que es lo mismo, "el peor director de la historia del cine". Como siempre, Burton lo llevó a su terreno. Conocido por sus obras acartonadas, acompañadas de malas actuaciones y torpes personajes que chocaban contra los decorados tirándolos, siendo su temática de base el género de la ciencia ficción y el terror, Burton ya era fan de Ed Wood en su infancia, considerándolo un director similar a Orson Welles, ideal que mantiene en el largometraje, rodado en b/n con Martin Landau como Bela Lugosi, Lisa Marie (novia entonces de Burton) como Vampira, Johnny Depp como Ed wood, y Sarah Jessica Parker y Patricia Arquette como la primera y la segunda novia de Ed. Ed Wood es un director de cine que cree en lo que hace y disfruta con ello al margen de lo que opine la sociedad, aficionado a vestirse de mujer a pesar de ser heterosexual, admirador del ya anciano y morfinómano Bela Lugosi, al que ayuda en sus últimos años haciendo que participe en sus películas. La película de hecho se basa principalmente en lo que fue el rodaje de "Plan 9 del espacio exterior" después de que Ed Wood realizara, por muy malo que fuera, el primer film sobre la transexualidad, "Glen o Glenda". Burtoniano total. Fue la primera película para la que Danny Elfman no compuso la banda sonora, siendo el encargado Howard Shore, el inseparable de Cronenberg, realizando el mismo tipo de música que habría realizado Danny.

Mars Attacks! (1996): Esta vez de nuevo con un guión escrito por Tim Burton y basado en una serie de cromos que Tim adoraba de niño, se trata de una desternillante parodia de las películas de ciencia ficción, con extraterrestres que vienen a invadir La Tierra considerando a los humanos estúpidos y burlándose de sus intentos de relación pacífica (inolvidable la escena en la que sueltan a la paloma de la paz, a cámara lenta, para que de golpe uno de los verdes marcianos se la cargue). Es como para verla plano a plano. Los homenajes de Burton a todo lo que adora son incontables. La película contó con un amplio número de actores famosos, algunos fieles en la filmografía de Burton, como Jack Nicholson, Pierce Brosnan, Natalie Portman, Danny DeVito, Rod Steiger, Michael J. Fox , Sarah Jessica Parker, Glenn Close, Lisa Marie como extraterrestre prostituta y Tom Jones interpretándose a sí mismo, cuya música ya apareció en "Eduardo Manostijeras". Cómo no, el personaje que descubre la absurda manera de acabar con los marcianos es un chico tímido, reservado y despreciado por su familia.
¿Sabéis que Jack Nicholson, con los habituales entusiasmos que le dan, quiso interpretar a TODOS los personajes principales? ¡¡¡Madre mía!!! Se tuvo que conformar con 2, el presidente de EEUU y el idiota que trabaja en Las Vegas sin enterarse de nada.

Sleepy Hollow (1999): Con un guión basado en el relato de Washington Irving "La leyenda de Sleepy Hollow", Burton realizó esta película cambiándole el tono general a la historia y el lógico final que el relato tenía, imperando en la película lo sobrenatural, la niebla y los oscuros bosques. Ichabod Crane, interpretado de nuevo por Johnny Depp, es un detective enviado desde la ciudad de Nueva York al poblado de Sleepy Hollow para investigar una serie de crímenes en los que las cabezas de los cadáveres desaparecen. Lisa Marie interpretó a la madre de Ichabod en sus recuerdos de infancia. Curiosamente, Christopher Walken encarnó al asesino jinete sin cabeza, después de muchísimos años atrás haber interpretado en "La zona muerta" de Cronenberg al profesor que les narra a sus alumnos el relato de Washington Irving (en el relato original Ichabod Crane también era un profesor, no un detective), y curiosamente también, Cronenberg habló de esta película al decir que estaba convencido que que Burton se inspiró en el instrumental ginecológico para mujeres mutantes que aparecía en su film "Inseparables" para crear el extraño instrumental científico que el analítico y excéntrico Ichabod construye y utiliza.
Adoro el toque irónico de Burton al principio de la película, antes de que Ichabod sea destinado a Sleepy Hollow, cuando al igual que nosotros no hacemos más que repetir que ya estamos en el siglo XXI como si ya no cometiéramos las barbaridades que se cometían en el pasado, Ichabod dice ante el tribunal para criticar el sistema judicial y penitenciario: "Estamos a las puertas del nuevo milenio. Dentro de unos meses entraremos en el siglo XIX, pero nuestra justicia aún descansa en mecanismos de tortura medievales."

Planet of the apes ("El planeta de los simios", 2001): A pesar de que Burton asegura que está basada en la novela y que no es un remake de la película de 1968 (de hecho hay muchos detalles de la historia muy diferentes en la película de Burton, detalles que me parecen muy interesantes, aunque la película en sí...), las comparaciones y las críticas fueron inevitables. Ya sabemos todos la historia. Un astronauta se pierde en el espacio y aparece en un planeta donde los simios son seres inteligentes que tienen esclavizados a los humanos, en la versión de 1968 sin capacidad de habla (más creíble) y con un final en el que el protagonista descubre que lo que ha hecho es viajar al futuro en la propia Tierra al ver la Estatua de la Libertad destrozada y semienterrada en la arena de la playa, mientras que en la versión de Burton los humanos hablan entre ellos perfectamente y el final es totalmente diferente. El final fue muy criticado, pero hay que decir que es más fiel al de la novela que el de la versión de 1968 y que se hizo expresamente para crear posteriores secuelas, cosa que 20th Century Fox no ha querido por la mala acogida que tuvo, aunque sí que se está preparando una precuela en la que se cuenta cómo los simios evolucionaron. Los paralelismos con la utilización de los animales y el maltrato hacia los mismos hoy en día, así como la falsedad de la religión, son mucho más claros en la versión de Burton, pero a pesar de sus interesantes aportaciones, se sabe de las numerosas discusiones que se dieron con los productores, y se hecha a faltar el toque personal de Burton. Si no te dicen que es suya, no te lo crees. No hay ni escenarios góticos ni cómicos, y el protagonista es un guaperas chulito que de tímido o marginado no tiene nada. A Burton le sirvió para conocer a Helena Bonham Carter, que se convirtió en la sustituta de Lisa Marie en su vida sentimental, con la que tuvo largos litigios. Helena sigue siendo actualmente la pareja de Burton, la madre de sus 2 hijos y la protagonista de todas sus películas desde "El planeta de los simios".

Big Fish (2003): Después de que Steven Spielberg dejara el proyecto, Burton dirigió esta adaptación de la novela de Daniel Wallace, algo muy significativo además teniendo en cuenta que el propio padre de Burton acababa de morir, paralelamente al argumento de la película. Fue protagonizada por Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Steve Buscemi, Helena Bonham Carter y Danny DeVito, entre otros. Algunos dicen que no es una película tan burtoniana como a las que nos tiene acostumbrados. No estoy nada de acuerdo. Tiene totalmente el sello de Burton. El protagonista, adorado por toda la comunidad, se cansa de su vida, y al sentir que su pueblo es demasiado pequeño para él busca nuevas aventuras , en las que aparecen además brujas y bosques encantados. La misma atmósfera mágica que envuelve al resto de las películas de Burton es la que envuelve a ésta misma, en la que Edward Bloom (¿os habéis dado cuenta de que es el tercer protagonista de sus películas que se llama Ed?), con un cáncer terminal, le relata a su lógico, normal y aburrido hijo, con el que hace años que no se habla, momentos de su vida añadiéndoles características fantásticas, para él absolutamente reales ya que lo que está narrando son sus sentimientos. Una historia llena de peculiares paralelismos, de giros y de pequeños y grandes detalles, hasta que se llega a entender cómo fue la vida de Edward. ¿No lloráis cuando acaba?

Charlie and the Chocolate Factory ("Charlie y la fábrica de chocolate", 2005): Se trata de la segunda adaptación de la novela homónima de Roald Dahl. La primera se filmó en 1971 y llevó el nombre de "Willy Wonka y la fábrica de chocolates", protagonizada por Gene Wilder como Willy Wonka, el dueño y creador de la fábrica. En este caso Willy Wonka fue de nuevo encarnado por Johnny Depp, aunque en un principio lo iba a hacer Marilyn Manson. En el videoclip de "Dope hat" de 1994 Manson ya aparecía disfrazado de Willy Wonka, fascinado por la película de 1971, y Manson y Burton ya tenían apalabrado que sería él el protagonista, pero al final los productores no quisieron y Burton volvió a escoger a Johnny Depp, que incluso dijo que se inspiró en el propio Marilyn Manson para interpretar a Willy Wonka, un excéntrico e irónico personaje que se ha creado su propio mundo y prácticamente se ha quedado en la infancia como un moderno Peter Pan, todavía con conflictos por arreglar relacionados con su padre, un dentista interpretado por Christopher Lee que de niño le obligaba a llevar un horroroso aparato dental y le prohibía comer ninguna clase de dulce ni chocolate, por lo que se sentía totalmente diferente al resto de los niños. El guionista de la versión de Burton fue también el guionista de "Big Fish", John August, y al igual que en Big Fish, Burton llevó a la pantalla otra historia de padres e hijos después de la muerte del suyo.

Corpse Bride ("La novia cadáver", 2005): Basada en un cuento popular ruso-judío del siglo XIX y ambientada en un pueblo ficticio de la época victoriana, Burton volvió a realizar una preciosa película de animación con la técnica del stop motion, con Johnny Depp, Helena Bohnam Carter y Emily Watson poniéndoles las voces a los personajes principales. Como ya ocurrió en anteriores películas de Burton, el mundo de los vivos se vuelve a mezclar con el de los muertos cuando el protagonista se promete por error a una muerta. El de los vivos es de tonos grisáceos, lleno de estúpidas normas y protocolos, mientras que el de los muertos es colorido (como luces de colores en la oscuridad) y está lleno de música, con personajes que sólo quieres pasárselo bien. Y todavía no aprendemos y seguimos malgstando nuestro tiempo, es decir nuestra vida... Como escribí una vez: "Deja que los muertos hablen. Nadie mejor que un muerto para aconsejarte sobre la vida."

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street ("Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet", 2008): Es una adaptación al cine del musical del mismo nombre de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler, la segunda vez que Burton no trabaja con Danny Elfman puesto que la música ya estaba compuesta por Stephen Sondheim, y de nuevo interpretada por Johnny Depp y Helena Bonham Carter. En un fascinante, fantasmal y neblinoso Londres antiguo y oscuro, con unos movimientos de cámara que consiguen que me quede con los ojos como platos, y un tono sangriento y enfermizo aunque siempre con sentido del humor, Sweeney Todd llega para vengarse de todos los que le hicieron o le hacen daño, mientras que su enamorada aprovecha la carne de las víctimas para hacer empanadillas, hasta que llega el inesperado final. A mí no me importaría pasar unas vacaciones en ese Londres...

Alice in Wonderland ("Alicia en el País de las Maravillas", 2010): Decepcionante por la gran expectación que creó y por resultar demasiado simplista al convertirse en una peli de acción de buenos contra malos, cierto es, pero hay que tener en cuenta que es un encargo de Disney, que si por algo se caracteriza es precisamente por realizar y producir ese tipo de películas. Un guión en el que se narra la vuelta de una Alicia de 19 años al País de las Maravillas 13 años después de su primer viaje, por lo que no se trata de una adaptación de las novelas de Lewis Carroll sino de una secuela, llegó a manos de la factoría Disney, y al momento pensaron en Burton. Muy bien hecho. Tiene mucho mérito que Tim Burton, a partir de un guión en el que en un primer momento no participó y sobre el que en principio no tendría mucha libertad, haya conseguido, con unos excelentes Johnny Depp y Helena Bonham Carter como el Sombrerero Loco y la Reina Roja, crear una película típicamente burtoniana que desprende su mundo interior por los 4 costados, con unas imágenes hipnóticas, brillantes actuaciones y elocuentes diálogos. Aunque haya gente que lo desprecie sin tener en cuenta que al tratarse de una película de encargo no todo, ni muchísimo menos, está en sus manos, con todo el dinero que ha recaudado la película Burton podrá centrarse en proyectos más personales, así que queda Burton para rato, le pese a quien le pese.


Y ahora a esperar a su siguiente proyecto, el remake de Frankenweenie del que ya he hablado, en 3D y acompañado de la técnica stop motion y que se estrenará en el 2011. "Dark Shadows", con una mansión llena de monstruos, y la adaptación de la novela de George Orwell "1984" están aún por confirmar, pero en cualquier caso, veo difícil que me decepcione ninguno de esos proyectos.

sábado, 16 de mayo de 2009

David Lynch

Fotografía de Andrzej Dragan

Entre la hierba de perfectos y preciosos prados y céspedes se esconden insectos asesinos comiendo la carroña de otros animales. Mientras los vecinos siguen con sus plácidas vidas que todo el mundo desea en ideales y bucólicos pueblos, el misterio y la muerte acechan. Los malvados personajes de los cuentos vuelven a tomar protagonismo como no lo hacían desde hacía siglos. En la ciudad de los sueños un inesperado giro crea pesadillas. Todo esto y mucho más se encuentra en la obra de David Lynch, pintor, músico, fotógrafo, escritor, diseñador de muebles y sobre todo, director de cine.
Muchos detestan a este genial hombre (y lo digo en todos los aspectos) nacido en Missoula, Montana, EEUU, el 20 de enero de 1946. Yo no concibo mi vida sin él. El mundo, ya repleto de historias clásicas y entendibles para las masas que tanto se empeñan en usar la razón, y además con la ley del mínimo esfuerzo, lo necesitaba. Lynch se mueve por la intuición, que no es contraria a la razón, sino la acción conjunta de la razón y las emociones, como un músico de jazz que al improvisar los venideros acordes según lo que siente sin que desentonen con la lógica, inventa el futuro. Y es que Lynch acostumbra a trabajar con un corto guión que es más bien el boceto o el comienzo de una historia, permitiéndoles a los actores improvisar de la misma manera que él va creando y modificando la historia sobre la marcha, captando todo lo que flota a su alrededor. No todo el mundo es capaz de hacerlo...
Lynch también es conocido por su Fundación, destinada a dar a conocer la meditación trascendental para ayudar a la gente con problemas, practicada por él desde hace décadas y de la que saca las ideas para sus películas. Un hombre que llama la atención por muy "normal" que intente aparentar, a pesar de negarse a seguir las modas imperantes, razón por la cual no suele usar jeans (mira, igual que yo...). Un hombre tranquilo y algo tímido que a pesar de practicar la meditación y ser incapaz en la etapa de "Terciopleo azul" de mencionar ningún taco, se mete con la policía y las autoridades, se ríe del inútil equipo técnico con el que a veces le toca trabajar, y tira las colillas de sus cigarrillos al suelo uno tras otro, fumándolos como si de caramelos se tratara y llenando la atmósfera de humo, al igual que en sus películas. Fascinante...

Filmografía (Esta vez no doy pistas sobre la trama, excepto en "Mulholland Drive", que de todas maneras es una simplista manera de describir una película que va muchísimo más allá. Se pueden leer...)

The grandmother ("La abuela", 1970): Se trata de su segundo cortometraje después del cortísimo y experimental "Six men getting sick", labor, la de la realización de cortometrajes, que no ha abandonado nunca. Muchos de ellos están de hecho recogidos en el dvd "The short films of David Lynch". En "The grandmother" ya dejó clara la estética y temática/atmósfera que imperaría en el futuro, sobre todo en "Eraserhead". En este corto de 30 minutos de duración, con un contrastado b/n y algunas pinceladas de rojo sangre, sin diálogos y con perturbadores sonidos, un chico se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla que tiene que regar, para así sentirse querido al lado de sus odiosos padres. Con este corto Lynch ganó un premio de 5000 dólares, que utilizaría para empezar a rodar su primer largometraje.

Eraserhead ("Cabeza borradora", 1977): A pesar de ser estranada en 1977, el rodaje duró nada más y nada menos que 5 años, realizándolo en b/n poco a poco con dinero que le prestaron sus amigos, entre ellos Jack Fisk, amigo desde la infancia y marido de Sissy Spacek. En un paisaje industrial de los que tanto adora Lynch (suele fotografiar fábricas), el protagonista, encarnado por su amigo Jack Nance y que aparecería en todas sus películas hasta "Carretera perdida", después de la cual murió, se encuentra con un inesperado hijo, un deforme e inhumano ser que rompe por completo su manera de vivir. Lynch nunca quiso decir cómo se creó la criatura, pero avalada por la atracción que siente por el interior de los organismos (algo común a Cronenberg junto a sórdidas historias en lugares en los que no se supone que deberían de ocurrir), corre la leyenda de que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado. Numerosos y asquerosos seres/objetos con forma de espermatozoide pueblan el film. Cuando empezó a rodar la película, Lynch supo que iba a ser padre. ¿Casualidad? Su hija Jennifer, ahora también directora de cine, que corrió por los escenarios cuando ya había crecido algo (repito que el rodaje duró 5 años), hoy en día se ríe de la anécdota, aunque no deja de considerarla inquietante. Poco diálogo, extraños sonidos, personajes aún más extraños... Convertida instantáneamente en película de culto (se nota que Buñuel, tal como dice Lynch, es uno de sus directores favoritos, con la alta carga de surrealismo que tiene este film), Stanley Kubrick dijo que era su película favorita de toda la historia del cine, y los Pixies versionaron "La canción de la mujer del radiador", extraña mujer salvadora/destructora del protagonista. También atrajo la atención del productor Mel Brooks, que lo contrató para dirigir su siguiente largometraje, "El hombre elefante".

The elephant man ("El hombre elefante", 1980): Se trata del biopic, de nuevo en un perfecto b/n, sobre la figura de John Merrick, un hombre de clase baja con tremendas malformaciones físicas. A pesar de ser un encargo Lynch le dio su personalísimo toque, siguiendo en la línea de "Cabeza borradora" y siendo una real película de autor. Protagonizada por Anthony Hopkins junto a John Hurt como el hombre elefante, fue un éxito comercial y obtuvo 8 nominaciones a los Óscar, incluyendo mejor director y mejor guión adaptado para Lynch. Si no te emocionas con esta película...

Dune (1984): Después del éxito de "El hombre elefante", Lynch aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficción Dune, del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentiis, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total. Dune le fue encargada a Lynch después del retraso de años que se dio cuando Alejandro Jodorowsky la estaba preparando, junto a Salvador Dalí, que aparecería en la película, y H.R. Giger encargado de los escenarios. A Lynch no se le dio absolutamente ninguna libertad, los escenarios, aunque envidiables, parecen imitaciones de H.R. Giger, que no participó al ser Jodorowsky apartado del proyecto, y a pesar de que De Laurentiis pretendía que fuera una nueva "Guerra de las galaxias", resultó un fiasco comercial (se perdieron millones de dólares que no se recuperaron) y fue vapuleada por la crítica. Se realizó una versión extendida para la tele con la intención de recuperar algo del dinero perdido, una versión que desvirtuaba el montaje del director y de la que Lynch enseguida se desentendió, apareciendo en los títulos de crédito con un pseudónimo. A Lynch le sirvió para conocer a su actor fetiche Kyle MacLachlan, y a pesar de que detesto la versión futurista del Nuevo Testamento, con un mesías que además no puede ser mujer, y de que considero que es la peor película de Lynch, he de admitir que tiene inolvidables escenas y atmósferas, y algunas de las frases que aparecen se han convertido en oraciones para mí.

Blue velvet ("Terciopelo azul", 1986): Después del fracaso de Dune De Laurentiis cumplió con lo prometido y produció su siguiente film, con guión de Lynch y sin niguna presión. Protagonizada por Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, su desde entonces inseparabla Laura Dern e Isabella Rossellini, con la que mantendría una relación, se descubre el lado oscuro de una pequeña y excesivamente bucólica ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que encuentra el protagonista en el transcurso de un paseo campestre. También le sirvió para descubrir a Julee Cruise. Lynch quería para la película la canción "Song to the siren" de This Mortal Coil, una de sus canciones favoritas de todos los tiempos, pero no pudo ser debido a los derechos de autor y al dinero que le suponía, por lo que Badalamenti y Lynch compusieron y escribieron el tema "Mysteries of love", con un estilo similar al de "Song to the siren" y la aterciopelada, aunque de alguna manera siniestra voz de Julee. Luz y oscuridad, una cantante atormentada, un psicópata violador (aunque impotente), la obsesión de 2 jóvenes por espiar a algunas personas (mi juego favorito de la infancia), una perfecta sincronización de la historia con la música, tanto la creada por su desde entonces fiel Angelo Badalamenti como los clásicos temas que encajan a la perfección con los diálogos y la trama, historias dentro de historias... Su segunda nominación al Óscar como mejor director fue merecida, aunque los Óscar no son para nada mis premios favoritos.

Twin Peaks (1990): Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva Twin Peaks, acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables, incluyendo también personajes que de respetbles tenían todo pero de "normales" muy poco, como la Dama del Leño, encarnada por la ex-mujer de Jack Nance, protagonista de "Cabeza borradora". El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos. La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de caricaturas Los Simpson. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con Twin Peaks. El director encarnó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole. Como defensa a la decepcionante segunda parte de la fantástica serie, diré que pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”. Lynch poco tuvo que ver con esta segunda parte de la serie. He decir que en el plano del cadáver de Laura Palmer, Laura se encuentra guapísima. Otro de los inquietantes pero maravillosos detalles de Lynch. El personaje de Bob, esencial en la serie, no estaba pensado en un principio, dicho sea de paso. Se trata de un integrante del equipo técnico que apareció por error en un plano, y Lynch decidió incluirlo en la serie, demostrando una vez más su capacidad de aprovechar las oportunidades y casualidades que se le presentan. Su banda sonora forma ya parte de la vida de todos nosotros.

Wild at heart ("Corazón salvaje", 1990): En la etapa de la segunda parte de "Twin Peaks" Lynch se dedicó a preparar su siguinte largometraje, una alucinante, sensual y atropellada road movie protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern, adaptación absolutamente personal de la novela de Barry Gifford, en la que incluyó paralelismos con su adorada "El mago de Oz", con golpecitos de zapatos para volver a la vida "normal" y brujas buena y mala incluidas, y alusiones a las películas de Elvis Presley. Diane Ladd, madre en la realidad de Laura Dern, encarnó también a la madre (la bruja mala) de Lula, el personaje de Laura Dern. La inclusión del tema de su amigo Chris Isaak "Wicked game", los planos detalle de llamas encendiéndose para sugerir la pasión en las escenas de sexo y los singulares personajes que entonan perfectamente con la atmósfera de la película, son impagables. Obtuvo la palma de oro en el festival de Cannes, a pesar de que parte del público no aguantó su violento (aunque con un gran sentido del humor) contenido. El final del film es para algunos cursi, para mí insuperable.

Industrial symphony nº1, The dream of the broken hearted (1990): Se trata de una elaboradísima obra de teatro/musical/performance estrenada en la Academia de la Música de Brooklyn, Nueva York, el 10 de noviembre de 1989, a partir de la cual Lynch produjo en 1990 un vídeo de 50 minutos sobre la obra. Es una colaboración entre Angelo Badalamenti, David Lynch (encargados de la música, dirección y puesta en escena) y Julee Cruise como protagonista, apareciendo 5 temas cantados por ella. También aparece al comienzo una escena con Nicholas Cage y Laura Dern, en consonancia con "Corazón salvaje". Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota.

Twin Peaks: Fire walk with me ("Twin Peaks: Fuego camina conmigo", 1992): Por el tremendo cariño que Lynch le cogió a la idea inicial de la serie y su desaprobación hacia la segunda parte y el desenlace de la serie, se decidió a llevar al cine una precuela, los últimos días de Laura Dern, en la que realidad y sueños (aunque sea una simplista manera de describirlo ya que no es lo que Lynch pretende) se vuelven a unir, como es habitual en su filmografía, con incesto, drogas, prostitución, bisexualidad y un desenlace mucho más claro incluidos, dando la respuesta definitiva a la causa de la muerte de Laura y a la identidad de Bob, de manera que la figura de los doppelgänger queda más clara. Los personajes que aparecen en la habitación roja tuvieron que aprenderse sus diálogos al revés, para después darle la vuelta de nuevo al sonido, de manera que se entiende lo que dicen pero da la sensación de ser personajes de otro mundo. A pesar de las pésimas críticas que recibió en su momento es una película que adoro, me gusta de hecho más que la serie, y la secuencia de Laura y su mejor amiga en un antro con una fantástica pieza compuesta por Lynch, "The pink room", se han convertido en una de mis favoritas del cine. Varios actores no quisieron participar por el desengaño que se llevaron en la serie, como la que interpretaba a la mejor amiga de Laura, que tuvo que ser sustituida por otra actriz ya que el personaje era indispensable, y también participaron como actores sus amigos Chris Isaak y David Bowie.

Lost highway ("Carretera perdida", 1997): Se trata de un complejo film de argumento no lineal, escrito junto a Barry Gifford (el escritor de la novela en la que se basó "Corazón salvaje", aunque Lynch no estaba de acuerdo con las más convencionales ideas de Gifford), con muchos elementos de cine negro y una estructura en espiral en la que el final se una con el principio. Es en realidad una historia de celos con asesinato y trastorno mental incluidos, protagonizda por la guapísima Patricia Arquette. Sin saber que tal trastorno existía, después de realizar la película Lynch se enteró de que se dijo que el protagonista sufría de una "fuga psicogénica", a lo que Lynch respondió riéndose que tiene cada día un par de ellas. Fíjate lo que depara el "destino" a veces, ya que en esta película sí que incluyó su adorado tema "Song to the siren" que no pudo incluir en "Terciopelo azul". Queda tan perfecto que me alegro mucho de que en el pasado no consiguiera que formara parte de "Terciopelo azul", como si estuviera "destinada" a aparecer en "Carretera perdida". Este tema fue acompañado por otros muchos de Rammstein, Smashing Pumpkins, Lou Reed, David Bowie (al escuchar su tema le vino a la mente todo el comienzo de la película), Nine Inch Nails o Marilyn Manson, que como amigo suyo también apareció en una corta escena como actor. Una película única...

The Straight Story ("Una historia verdadera", 1999): Al estar basada en hechos reales en castellano se tituló así, aunque en inglés es un juego de palabras entre el apellido del personaje, Alvin Straight, y su significado como sustantivo, "lineal", ya que es en principio un film con una estructura más convencional, a pesar de lo cual Lynch la considera su película menos convencional dentro del cine americano. Se trata de una historia real acerca de un anciano hombre de pueblo que se empeña en emprender un largo viaje de estado en estado a bordo de un cortacésped (lo "extraño" parece ser inherente a Lynch), con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo, con el que lleva años sin hablarse por una tontería, todo acompañado por la preciosista banda sonora compuesta de nuevo por Badalamenti y por los igualmente preciosistas paisajes. La hija de Straight, una bellísima persona con una disminución psíquica, fue encarnada por Sissy Spacek. Una película, que al igual que "El hombre elefante", me hace llorar...

Mulholland Drive (2001): Hace referencia a una famosa carretera de su adorada Los Angeles, apareciendo también planos de Hollywood, a pesar de lo cual trata de ahondar en la vertiente oscura de Hollywood, la "fábrica de sueños". Seguramente la película de mi vida, con la que me quedaría si me obligaran a deshacerme del resto, en ella descubrí a mi adoradísima Naomi Watts. A pesar de su nada convencional y surrealista estructura en la que los personajes se confunden como en "Carretera perdida", se puede resumir de la siguiente manera: Una chica llega entusiasmada a Los Angeles para cumplir su gran sueño, el de ser actriz. Se presenta a un casting pero la escogida es otra, mujer de la que se enamora y con la que mantiene una apasionada relación. Sólo consigue papeles como extra en las películas protagonizdas por su amante, que pasa totalmente de ella, hasta que cuando la amante anuncia su boda con el director de cine con el que está trabajando, la enamorada revienta, contrata a un matón para que la asesine y se suicida, carcomida por los remordimientos y la mala suerte que ha tenido. Y dicho así parece muy sencillo, pero realmente he desvelado muy poco, ya que la película no está contada de ninguna manera como la he contado yo. Una película de visión obligatoria, acompañada de nuevo por una banda sonora, de las mejores y más emotivas que he escuchado en mi vida, compuesta por Badalamenti. Estuvo merecidamente nominado de nuevo al Óscar como mejor director. Hay que decir que en un principio fue el proyecto para una serie televisiva, pero después de rodar el capítulo piloto, los jefazos lo consideraron demasiado oscuro (¿qué se esperaban de Lynch?) y no se continuó con la serie. Lynch estaba enamorado de la idea, y 2 años después consiguió reunir a absolutamente todo el equipo del episodio piloto para completar una historia diferente a la que se iba a desarrollar en la serie, afortunadamente para todos los que adoramos esta película, cosa que considero que le da más mérito si cabe.

Inland Empire (2006): Lo que en un principio iba a ser un monólogo de 15 minutos acabó siendo una película de 3 horas de duración. La historia, retorcida y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Una actriz empieza a protagonizar una película, y la ficción de la película y su vida real se empiezan a confundir. Abundan los primeros planos expresionistas, el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores habituales de Lynch como Laura Dern, Harry Dean Stanton (que también apareció en "Corazón salvaje", "Twin Peaks: Fuego camina conmigo" y "Una historia verdadera"), y el protagonista de "Mulholland Drive" Justin Theroux, con un cameo de Naomi Watts (una de las actrices disfrazadas de conejos en la serie "Rabbits" parodiando las series supuestamente cómicas en las que aunque nada pase se escuchan risas), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons. También aparecen en pequeños cameos Diane Ladd, la madre de Laura Dern que coprotagonizó con ella "Corazón salvaje", y Laura Elena Harring, protagonista de "Mulholland Drive" junto a Naomi Watts. La gran amiga de Lynch Laura Dern desde "Terciopelo azul", además de vecina en Los Angeles en la actualidad, fue además la coproductora de la película. A los 2 les fascina Los Angeles a pesar de la oscura visión que da Lynch, que considera que es una ciudad que realmente le da una oportunidad a todo el mundo (otra cosa es que salga bien o mal). Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer enamorada y metida en grandes dificultades”. Esta vez Badalamenti se desentendió de la banda sonora, pero los temas compuestos por Lynch, algunos de ellos canatados por él mismo, no se quedan cortos. Lynch grabó el film con una cámara digital más o menos doméstica y de no muy alta calidad, ya que según él el efecto que produce le recuerda a los comienzos del cine, cuando la imagen no era tan perfecta y realista como a la que nos tienen acostumbrados, permitiéndote más soñar. Esta razón, junto a su bajo coste y a las ventajas de su conservación frente al negativo, le ha llevado a decir que no piensa rodar nunca más en celuloide.

Dios, deseando estoy que realice su siguiente largometraje...

sábado, 9 de mayo de 2009

David Cronenberg

Fotografía de Lance Staedler

Mi infancia estuvo marcada por infinidad de películas. Algunas de ellas fueron Cromosoma 3, Scanners, La zona muerta o La mosca. Estaba obsesionado con sus imágenes e historias. Recuerdo todas las veces que las ponían en la tele. Recuerdo el plano de la niña observando a su abuela asesinada en Cromosoma 3. Recuerdo todas las veces que vi aquella cabeza explotando en Scanners. Recuerdo cómo me impactaba la escena del suicidio del asesino en La zona muerta. Recuerdo cómo me impresionaba la vida y la transformación del protagonista de La mosca. Más adelante, muchos años después, descubrí que todas ellas eran obra del mismo hombre, David Cronenberg, un canadiense que se ha dedicado a crear una filmografía con una estética, una temática y un estilo muy personales e identificables, una de las cualidades que más valoro.
Cronenberg, nacido el 15 de marzo de 1943, estuvo siempre interesado por la literatura y la ciencia. Se graduó en literatura, y aspiraba a ser un escritor de ficción con una base científica real, más o menos como lo hizo Isaac Asimov. Desistió de esta idea al considerar que sólo conseguía imitaciones de textos de William Burroughs, una de sus mayores influencias junto a Nabokov y Ballard, y encontró en el cine el perfecto campo para expresarse, sin dejar de escribir, ya que la mayoría de los guiones de sus películas son suyos. No sólo no se ha quedado en un mero realizador de películas de ciencia-ficción destinadas al entretenimiento del gran público, sino que bajo unas ideas muy claras de la biología y psicología, ha sido entrevistado en programas exclusivamente científicos. Incluso cuando ha realizado alguna película de encargo la ha hecho totalmente suya, negándose a participar en nada que no refleje su punto de vista. Prueba de ello es que no acabara realizando Desafío total, ya que sus ideas no eran bien recibidas.
Detrás de su característico peinado, las grandes gafas que ha solido utilizar la mayor parte de su vida y sus películas con imágenes repugnantes y enfermas (se le suele catalogar como el creador del "terror venéreo") se encuentra un hombre muy tranquilo y amistoso, y él mismo se sorprende cuando la gente espera encontrarse a un hombre trastornado. David Lynch ha solido decir que Cronenberg es las 2 cosas, que a pesar de ser un hombre "normal", simpático y equilibrado, su obra refleja a la perfección su manera de ver el mundo.
Cronenberg es absolutamente ateo, no cree en la consciencia después de la muerte, y considera que el destino de los humanos es la biología, por lo tanto, ya que cambiar el destino es algo innato a la naturaleza humana, también lo es cambiar la biología.
Hay 4 aspectos que se repiten en toda la filmografía de Cronenberg:
-Escenarios asépticos y aparentemente inocuos en los que se desarrollan tramas que se salen de todo lo considerado socialmente normal.
-Ambigüedad sexual y trastornos relacionados con la sexualidad, tanto físicos como psicológicos, considerados como tales por las normas establecidas por la sociedad y por sus miedos.
-Instituciones y organizaciones que pretenden controlar el mundo y manipularlo.
-Evolución, física y psíquica. Es el inventor del término "nueva carne". Para Cronenberg muchas de las que consideramos enfermedades son en realidad pasos en la evolución a los que tenemos miedo, y muchos de los llamados trastornos mentales, avanzadillas evolutivas destinadas a adaptarnos a las nuevas sociedades. Según él muchas de las que denominamos enfermedades se sorprenderían si supieran que las consideramos como tales, y biología y tecnología se funden constantemente en su obra.
En pocos directores de cine junto a algunos más me he visto tan reflejado...

Filmografía: (Si alguien no ha visto sus películas y pretende hacerlo sin que se le desvele nada, quizás no deba leer algunos comentarios...)

Stereo (1969): A pesar de ser clasificado en muchos libros como corto o mediometraje, es en realidad su primer largometraje al llegar a la hora de duración.
Cronenberg fue el guionista, director de fotografía, cámara, editor y director. Está rodada en b/n, sin música, diálogos ni sonido alguno aparte de la voz en off de unos estudiantes que observan un experimento, como si de un documental o tesis doctoral se tratara. 8 individuos son sometidos a un experimento por la Academia Canadiense de Investigación Erótica con el fin de que adquieran capacidades telepáticas aumentando mediante inducción biomecánica la red natural electroquímica del cerebro humano. Son aislados individualmente durante meses, extirpándoles a 2 de ellos la laringe y destruyéndoles gran parte del centro del lenguaje del cerebro, con la intención de unirlos después en grupo, aunque esto se demora ya que 2 se suicidan y otro se taladra un agujero en la frente (no se ve) para dejar marchar todas las voces de su cabeza, al igual que haría uno de los protagonistas años después en su otra película Scanners, también sobre telépatas. El flujo telepático entre 2 mentes es directamente proporcional a la intensidad de su relación y a la atracción sexual, por lo que se les administran afrodisíacos sintéticos. Puesto que la reproducción sólo constituye una mínima parte del espectro sexual total humano, la hetero y la homosexualidad son consideradas perversiones, siendo la norma auténtica una forma ampliada de bisexualidad llamada omnisexualidad. Dada la demora en el experimento a causa de los autolesionados, todavía llevará un tiempo evaluar los datos obtenidos...

Crimes of the future (Crímenes del futuro, 1970): Cronenberg otra vez encargado de todo. En color, pero de nuevo sólo con una voz en off, la del protagonista que lo narra todo, junto a extraños y desincronizados sonidos del fondo marino. Millones de mujeres post-púber han muerto por la enfermedad de Rouge, descubierta por el dermatólogo loco de mismo nombre y causada por los cosméticos modernos. Rouge ha desaparecido víctima de la enfermedad, y su discípulo Adrien Tripod, que tiene un vínculo sobrenatural con Rouge y siente que está muerto, es el director de la Casa de Piel. Los hombres necesitan absorver la femineidad que ha desaparecido del planeta, e instintivamente se pintan las uñas de rojo. Tripod se encuentra con un antiguo colega en el Instituto de Enfermedades Neovenéreas, cuyo cuerpo está produciendo nuevos órganos sin aparente función. Tripod comienza a trabajar para el Grupo Oceánico de Podología, formado por pedófilos heterosexuales que pretenden fecundar en la Fundación de Investigación Ginecológica a una pequeña niña, adquirida gracias a Importación-Exportación Metafísica y llevada prematuramente a la adolescencia, y perpetuar la especie, pero cuando Tripod está delante de la niña y se quita la camiseta, se queda de piedra al sentir en ella la presencia de Rouge. Un hombre muerto que resurge como mujer, consciente de su vida anterior como hombre...

Shivers (Vinieron de dentro de..., 1975): En las asépticas y autosuficientes torres Starliner se encuentra a una adolescente asesinada y la gente se empieza a comportar de manera extraña. Un científico crea unos parásitos que se puedan alojar en cualquier lugar del organismo y que puedan cumplir la función de cualquier órgano. Ésta era en un principio la intención del experimento, aunque lo que pretendía en realidad era desinhibir los instintos, ya que al igual que el propio Cronenberg, cree que pensamos demasiado y que no sentimos. Todo se le desborda y decide matar a la adolescente con la que mantiene relaciones sexuales y que es portadora del parásito para suicidarse después, sólo que son numerosos los hombres que mantienen relaciones con la chica y el parásito se propaga. No puedo evitar calificar de precioso al plano del pie de la chica muerta cuando uno de sus amantes la encuentra en su apartamento. La violencia y el sexo se desatan mientras los "sanos" intentan escaparse, hasta que, según las palabras de Cronenberg con un final feliz, todos son infectados y salen de la torre de apartamentos en coche, en parejas o tríos, a conseguir que los humanos sean más humanos. Lo que pretendía Cronenberg, de hecho, en ese marco de película de terror, era representar el miedo que nos tenemos a nosotros mismos. Toda la película fue acompañada de una música ya existente y no compuesta para el film, a pesar de lo cuál encaja a la perfección.

Rabid (Rabia, 1977):Cronenberg quería como protagonista a la entonces desconocida Sissy Spacek, aunque finalmente la actriz porno Marilyn Chambers fue la escogida, realizando fantásticamente su único papel en el cine "comercial". Para la música del film se utilizó el mismo método que en la anterior.
Una chica y su novio tienen un accidente de moto, y ella, que está grave, es llevada urgentemente a la clínica más cercana, la clínica Keloid, que es en realidad una clínica de cirugía estética. El doctor Keloid prueba en ella una técnica experimental, consistente en injertar en las zonas dañadas tejido morfogenéticamente neutro, que toma la morfología de la zona en la que es injertado y reemplaza a la piel u órganos dañados. Unos meses después despierta del coma con un orificio en la axila, similar a un ano, del que sale un aguijón con forma fálica que utiliza para alimentarse de la sangre de la gente, el único alimento que puede ingerir a partir de entonces como si de un vampiro se tratara. Mientras sus víctimas adquieren una violenta y contagiosa rabia que se propaga por toda la ciudad y por la que mueren al poco tiempo, ella escapa del hospital en busca de más alimento sin darse cuenta de nada, ajena a todo, hasta que descubre que ha sido la causante de todo...

Fast Company (1979):A pesar de no escribir el guión y no tratarse más que de una película sobre los problemas y trampas que surgen entre los participantes de carreras de coches, sin ser una película de terror ni psicológica y con alguna escena de sexo al borde de lo cutre, Cronenberg le sigue teniendo cariño ya que él mismo adora los coches y es aficionado a las carreras incluso como participante. Además es en esta película donde conoció a gran parte del equipo técnico con el que seguiría trabajando desde entonces. Se puede considerar el germen de lo que más adelante sería Crash.

The brood (Cromosoma 3, 1979):En este film Cronenberg comenzó a trabajar con su fiel equipo. Carol Spier como directora artística, Howard Shore en la música, y Mark Irwin como director de fotografía.
Es su película más autobiográfica, según él su Kramer contra Kramer. Después de separase de su mujer y descubrir que era adepta de una secta zen, Cronenberg "raptó" a su hija, que más adelante sería su ayudante de dirección en muchas películas, y consiguió la custodia total. La madre nunca volvió a aparecer.
En el film el doctor Raglan, psiquiatra, trata a sus pacientes en el Instituto Somafree con la psicoplásmica, consiguiendo que todos sus traumas se materialicen físicamente para librarse de ellos. A veces las consecuencias son desastrosas. Uno de los pacientes desarrolla un cáncer linfático. Entre sus pacientes se encuentra una mujer en proceso de divorcio de su marido. Él empieza a ver golpes en la hija de ambos mientras unos niños asexuados y sin ombligo van matando a todas las personas que han tenido algún problema con la mujer o que se están metiendo en la vida del marido. Son los hijos de la ira de ella...

Scanners (1981):El doctor Ruth recluta a Vale, un telépata o scanner callejero que está sufriendo por la telepatía, para que colabore con la Corporación Consec, dedicada a la seguridad nacional, y que le ayude a atrapar a otro scanner, Revok, que pretende controlar el mundo, un telépata que años atrás se hizo un agujero en la frente por no poder soportar las voces de todo el mundo dentro de su cabeza, al igual que sucedió en "Stereo". La clave de todo está en una sustancia llamada efemerol, que permite el autocontrol de los poderes telepáticos, pero ni Consec es lo que aparenta ser ni el efemerol sirve sólo para controlar los impulsos de los telépatas, ya que Revok lo está usando para suministrarlo a mujeres embarazadas y crear un ejército de nuevos telépatas a su servicio. La película acaba con la "fusión" de los 2 telépatas, que descubren que son hermanos, por lo que de alguna manera también se puede considerar el germen de lo que en el futuro sería "Inseparables".

Videodrome (1983):Con James Woods y Debbie Harry como protagonistas, la película trata sobre el máximo responsable de una cadena erótica de televisión por cable, Civic TV, llamado Max Renn. Descubre una serie de snuff movies que le fascinan y la ficción comienza a fusionarse con la realidad. En el film aparece otra organización que pretende usarlo de conejillo de indias ya que la señal de esas suff movies causa alucinaciones e incluso un tumor cerebral, escenas de sadomasoquismo, La Misión del Rayo Catódico, donde los vagabundos acuden a consumir imágenes televisivas en lugar de comida, una tele que se vuelve orgánica y en la que aparecen unos labios que besan a Renn, un orificio con aspecto de vulva en el vientre de Renn en el que introduce una pistola, la misma pistola hecha carne en su propia mano... Es en esta película ya de culto donde apareció por primera vez el término, aunque no el concepto, que lo trató siempre, de Nueva Carne.
"Larga vida a la nueva carne..."

The dead zone (La zona muerta, 1983): Es la única vez en la que Howard Shore no sería el encargado de la banda sonora desde Cromosoma 3. Basada en una novela de Stephen King, tampoco el guión fue de Cronenberg, aunque fue él el que escogió el definitivo entre los múltiples que llegaron a sus manos (incluido el del propio Stephen King, rechazado por Cronenberg desde el principio), metiéndole mano al guión él también.
Johnny Smith (Christopher Walken) es un profesor de literatura, se da a entender que virgen y con una relación muy puritana con su novia. Después de tratar en una clase sobre la leyenda de Sleepy Hollow y pasar una velada con su novia, también profesora, tiene un accidente de coche y queda en coma. Al despertar años después descubre que su novia se ha casado con otro y tiene un hijo, y él empieza a tener premoniciones y visiones del pasado y el futuro hasta que se da cuenta de que ese futuro se puede cambiar...

The fly (La mosca, 1986): Su mayor éxito comercial está basado en la película del mismo título de 1958, pero no se trata de un remake. De hecho es totalmente diferente, totalmente Cronenberg.
Seth Brundle es un científico con poca vida social y virgen (es lo que Cronenberg dice que pretende dar a entender), que ha inventado unas cabinas de teletransportación. Se enamora de una periodista y deja que grabe sus experimentos. En un arrebato de celos hacia el ex de ella, Seth prueba la cabina con él mismo sin darse cuenta de que una mosca se ha introducido en la misma, y la computadora interpreta que ha de fusionar genéticamente los adn de los 2 individuos para unirlos en la otra cabina en uno solo, por lo que Seth empieza al principio a desarrollar gran fuerza y potencia sexual, pero después empieza a degenerar física y psicológicamente, haciendo referencia también a la limitada visión del sexo de los humanos. El film es en realidad una historia de amor, con metáforas sobre la enfermedad y la vejez.

Dead ringers (Inseparables, 1988): Desde este momento Mark Irwin fue reemplazado por Peter Sustzisky como director de fotografía.
Está basado en la novela "Twins" y en una noticia real en la que 2 hermanos gemelos ginecólogos aparecieron muertos en la misma habitación. En el film los 2 hermanos están encarnados por Jeremy Irons, realizando un trabajo increible, ya que cada vez que interpreta a cada hermano se advierte de quién se trata, uno tímido y sometido, de nombre femenino, Beverly, mientras que Elliot es activo en todos los sentidos y el que maneja todo. Toda la vida han estado unidos, todo lo han hecho juntos y son socios. Conocen a una paciente, una actriz, con un útero trífido, cosa que les fascina ya que opinan que deberían de existir concursos de belleza para el interior de los organismos. Mientras que Elliot la utiliza con fines sexuales Beverly se enamora de ella, con lo que empiezan a surgir celos. Entre los celos entre los 3, sus drogadicciones y los aparatos ginecológicos para mujeres mutantes que crean, todo va degenerando psicológicamente hasta que deciden suicidarse los 2 juntos. Se trata prácticamente de un triángulo de amor. La banda sonora de Howard Shore es inmejorable.

Naked lunch (El almuerzo desnudo, 1991): Cronenberg realizó esta película con el beneplácito de Burroughs, autor de la novela del mismo título y uno sus ídolos, aunque sin ser una fiel representación, sino más bien, como dijo Cronenberg, una fusión entre él y Burroughs al igual que Seth Brundle y la mosca. Ya que Burroughs era homosexual y Cronenberg heterosexual, aunque según él sin ningún miedo a la homosexualidad, incluyó a más mujeres que en la novela, y no sólo no se trata de una imposible adaptación de una novela tan atípica, sino que Cronenberg incluyó aportaciones personales, pasajes de otros de sus libros y la propia biografía de Burroughs. La película comienza con el momento en el que Burroughs, estando los 2 borrachos y jugando a Guillermo Tell, mató a su mujer dándole un disparo en la frente en vez de en la botella que llevaba encima de la cabeza. Cronenberg pretendía crear una película que hablara sobre el trabajo de un escritor, cosa que puede resultar muy aburrida en principio ya que un escritor se pasa horas delante de su ordenador o máquina de escribir, por lo que el marco en el que se desarrolla la acción le va al pelo. Música jazz, extraños e imposibles seres, máquinas de escribir que se convierten en cucarachas con anos en su abdomen mediante los cuales hablan, homosexualidad, drogas, personajes que representan a Allen Ginsberg y Jack kerouak (íntimos de Burroughs), escenarios que simulan Tánger... Viendo esta película me siento como en casa.

M. Butterfly (1993): La película apareció al mismo tiempo que "Juego de lágrimas" y comenzaron las comparaciones, cosa que a Cronenberg molestó ya que su película no trataba sobre la transexualidad. Basada también en hechos reales, trata de un diplomático francés destinado a China que se enamora de una cantante de ópera sin saber que en China son sólo los hombres los que interpretan las óperas. El diplomático está interpretado de nuevo por Jeremy Irons. Después de años como amantes y manteniendo relaciones sexuales en las que ella no se desnuda ni le deja tocarle basándose en su ancestral y puritana cultura, se descubre que la china era un hombre implicado en una conspiración, pero los 2 ya se han enamorado, cosa que el diplomático no puede concebir...

Crash (1996): Basada en la novela de su también adorado J.G. Ballard, trata de un grupo de bisexuales que se excitan con los accidentes de coche, fusionado de nuevo los cuerpos con la tecnología. Fue una película realmente polémica. Sus imágenes, diálogos, estética e increible y metálica banda sonora, hacen que sea una de las películas de mi vida.

eXistenZ (1999): Se han solido ver similitudes ente este film y "Videodrome". Esta vez, en vez de tratarse de le televisión, se trata de videojuegos. Los diseñadores de videojuegos son considerados prácticamente como mesías. Las consolas son seres vivos mutantes creados a partir de anfibios, uniéndose de nuevo biología y tecnología. Incluso aparecen pistolas hechas con carne con dientes en lugar de balas. La creadora de eXistenZ, el último gran videojuego, es perseguida por los realistas, que están en contra de que exista una realidad virtual. Las personas se conectan a eXistenZ de manera orgánica, haciéndose en la espina dorsal un orificio con aspecto de ano por el que se introduce eróticamente el cable del videojuego mutante. De nuevo se empieza a confundir realidad con ficción, sobre todo cuando acaba la partida, con un final impresionante en el que ya no sabes qué es "realidad" y qué es "ficción".

Spider (2002): Basada en una novela del mismo título aunque con positivos cambios respecto a la misma, Cronenberg se empezó a interesar por lo puramente psicológico, tratándose la película de un esquizofrénico que deja de tomar su medicación para recordar su infancia y la muerte de su madre, recuerdos en los que su madre y una supuesta prostituta amante de su padre están encarnadas por la misma mujer, y terminar de tejer la telaraña para descifrar el enigma. Se vuelve a confundir realidad con ficción. La sombría estética, junto a la sosegada y romántica música de Howard Shore después de su épico trabajo en "El Señor de los Anillos", es impresionante, una de las pocas veces que ha sido rodada fuera de Canadá (M. Butterfly en China y Spider en Londres).

A history of violence (2005): Basada en una novela gráfica e interesado de nuevo por la psicología humana y la doble personalidad sin mutaciones físicas, trata de un hombre (Viggo Mortensen) marcado por su pasado de mafioso matón en contraste a su actual vida con una familia feliz y un nombre nuevo.

Eastern promises (Promesas del este, 2007): De nuevo con Viggo Mortensen como protagonista junto a la gran Naomi Watts, y con un guión ajeno que llegó a sus manos, trata de la mafia rusa y la trata de prostitutas en Londres, con Viggo de nuevo debatiéndose entre 2 personajes y opuestas maneras de vivir.

A dangerous method (Un método peligroso, 2011): Aunque Cronenberg no ha vuelto a los desvaríos cárnicos de sus primeras películas de terror, en este filme el sexo, la muerte, la represión de las emociones, el conflicto entre razón y sentimientos y las conductas consideradas "desviadas" vuelven a ser protagonistas. Se trata de una adaptación de una obra teatral basada en hechos reales de Christopher Hampton en la que Cronenberg rápidamente advirtió la manera de volver a ahondar en sus obsesiones habituales. Trata sobre las tortuosas relaciones entre Sigmund Freud, padre del psicoanálisis, Carl Jung, un médico en los inicios de su carrera fascinado por este método revolucionario, y Sabina Spielrein, una mujer brillante que desempeñaría un papel fundamental en el desarrollo de las teorías psicoanalíticas y que actúa como catalizadora de los deseos subconscientes de Jung, una mujer que además de neurótica paciente es también estudiante de medicina y que busca el dolor físico en las relaciones sexuales. La extrema racionalidad de Freud comienza a chocar con el misticismo de Jung, un hombre que pretende trascender las servidumbres de la carne proclamando la posibilidad del individuo de reinventarse a través de la mente, una constante en el cine de Cronenberg, así como la lucha entre cuerpo y mente y el sexo enfrentado a una razón enferma.

Aunque sus últimas películas pueden resultar más convencionales, no dejan de ser totalmente personales y en consonancia con su visión del mundo y su filmografía anterior, dando un salto de la biología a la psicología. Impaciente estoy por saber cuál será la siguiente y ver si vuelve a sus inicios no sólo conceptuales sino estéticos...