La inimitable Diamanda Galás publicó en 1984 su segundo disco, que llevaba como título su propio nombre, una obra muy valorada por sus fans pero de la que sólo fueron editadas en vinilo un número limitado de copias. Hasta ahora, con el disco agotado y descatalogado, corría por internet una grabación del vinilo con un sonido mediocre, pero, a pesar de que en alguna ocasión Diamanda declaró que no estaba interesada en relanzarlo porque no había quedado satisfecha con su producción, finalmente ha reeditado esta joya remasterizada en formato digital, en CD, y en breve en vinilo.
El disco consta de dos largas piezas, de manera similar a su primer disco The Litanies of Satan. La primera de ellas, "Panoptikon", hace referencia a la prisión diseñada por Jeremy Bentham a finales del siglo XVIII en nombre del progreso, un progreso terrorífico. En ella el guardián se hallaba en una torre central desde la que observaba todas las celdas de los presos, ideada de manera que los presos nunca pudieran alcanzar a ver al guardián aun sabiendo que estaban siendo observados continuamente, garantizando así el funcionamiento del poder, o del abuso de poder para ser más exactos. Foucault se interesó por el concepto del panóptico en 1975 e inició una serie de estudios sobre el mismo, trascendiendo y ampliando el funcionamiento de este modelo de prisión a la escuela, la fábrica, el hospital, e incluso a toda una sociedad disciplinaria, creando así el concepto de panoptismo. En esta pieza Diamanda ahonda en aspectos como la reclusión, el aislamiento, la tortura, la alienación extrema, el impulso homicida y la venganza, la claustrofobia y la paranoia, como también haría en otras obras clave de su discografía, escuchándose las voces tanto del torturado como del torturador. Además de la letra escrita por ella misma, añadió fragmentos del libro In the Belly of the Beast (En el Vientre de la Bestia) del criminal y preso americano Jack Abbott, publicado en 1981 y consistente en sus cartas a Norman Mailer en las que describía su brutal experiencia y el injusto sistema carcelario.
La segunda pieza, "ΤΡΑΓΟΥΔΙ
ΑΠΟ ΤΟ ΑΙΜΑ ΤΩΝ ΔΟΛΟΦΟΝΗΜΕΝΩΝ" ("Canción por la Sangre de los Asesinados"), está dedicada a las víctimas de la Junta Griega que gobernó en Grecia entre 1967 y 1974, periodo dictatorial en el que se suprimieron las libertades políticas, a modo del tradicional lamento de las mujeres habitantes de la Península de Mani por la muerte de uno de los suyos. Consideradas ellas mismas descendientes de las espartanas, llevaban a cabo la venganza por esas muertes. Mediante voces superpuestas llenas de matices, el oyente experimenta a lo largo de la pieza el dolor y la rabia por la muerte de la víctima, así como el juramento de venganza y la maldición hacia los asesinos.
Tampoco hay que olvidar que Diamanda ha lanzado también recientemente el mix y máster musical del tema compuesto por ella misma Die Stunde Kommt (Se acerca la hora), musicalización de un poema de Ferdinand Freiligrath del que Marlene Dietrich se enamoró, tema interpretado en directo en el Teatro Murmrr de Brooklyn en 2017.
Sin duda alguna, el año 2021 destacará musicalmente gracias a la gran Diamanda Galás.
Se trata de un montaje audiovisual de 22 minutos con las fotos analógicas quemadas con un mechero y posteriormente escaneadas que realicé para mi proyecto de fin de grado de fotografía del Institut d'Estudis Fotogràfics en 2005, con 5 canciones enlazadas de Tori Amos, Diamanda Galás, David Bowie, Queen y Annie Lennox como banda sonora.
El último y más reciente trabajo de Diamanda Galás se trata de una obra para solo de piano, compuesta e interpretada en septiembre de 2019 y que ha sido lanzada en forma de EP. La pieza de 21:19 minutos está basada en el poema expresionista "Das Fieberspital" ("El hospital de la fiebre"). Escrito por el poeta alemán Georg Heym en 1912, la descripción de "Das Fieberspital" de los pacientes almacenados con fiebre amarilla presagiaba el tratamiento y la ocultación de los soldados infectados y dañados más tarde en la Primera Guerra Mundial. Representa una marcha y entrega de soldados mutilados e infectados a hospitales y almacenes industriales en toda Alemania durante y después de la Primera Guerra Mundial. En los hospitales los mutilados recibirían operaciones experimentales y los infectados serían confinados para proteger la vitalidad mental, el entusiasmo y la salud de los ciudadanos del Estado. Las variaciones para piano se inspiraron en el trabajo de Galás en la partitura de "Das Fieberspital", una obra que recupera sus experimentos vocales multifónicos de los años 70, que lleva años realizándose y que aún no ha visto la luz. Al organizar el trabajo, se dio cuenta de que el esqueleto del piano se había convertido en su propio trabajo individual, y decidió grabarlo antes del trabajo vocal.
Resulta imposible no relacionar algunos términos que aparecen en la descripción del trabajo con la situación actual (confinamiento...), pero dado que el trabajo se comenzó a componer hace años, no es algo intencionado ni causal, pero probablemente tampoco casual, recordando al concepto de sincronicidad de Jung. Es probable que para la audiencia mayoritaria resulte más difícil relacionar una narración con una obra sin letra, pero al escuchar la obra no cuesta nada sentir el estado de ánimo inicial de los infectados y y la posterior tortura a la que fueron sometidos (no hay que olvidar que para Diamanda la empatía es una de las mayores y más importantes fuerzas existentes). Tras unas notas graves no tocadas de manera precisamente suave, como es habitual en ella, la obra se vuelve más y más compleja y agresiva, con momentos de silencio que Diamanda adora por la tensión que provocan. Siendo las epidemias, especialmente la del VIH, el uso de enfermos para experimentos médicos y las torturas que se les infligen, los genocidios y el sufrimiento de las personas que se encuentran en los márgenes los temas predilectos de su discografía, esta obra, y "Das Fieberspital" cuando vea la luz, resultan inquietantemente premonitorias.
Mientras aparece nueva obra, podremos disfrutar de la edición remasterizada de su primer disco,"The Litanies of Satan", con algunas diferencias en la piezaWild Women with Steak-Knives (The Homicidal Lovo Song for Solo Scream), y quién sabe si más reediciones ahora que ha conseguido los derechos de toda su discografía y trabaja con su propio sello discográfico,Intravenal Sound Operations...
Cuando se habla de feminismo desde un punto de vista antropológico, se considera que filiación o descendencia, autoridad y la residencia postnupcial, sin profundizar, son los tres factores que hacen de una sociedad patriarcal o matriarcal. Como no se ha encontrado una sociedad en la que los tres factores estén en manos de las mujeres se considera que no ha existido matriarcado. En cambio según muchas fuentes sí han existido ginecocracias, sociedades en las que la mujer ostentaba todo el poder. He de confesar que aquí me pierdo, porque no le veo la importancia a que falte uno de los tres factores ni entiendo la diferencia entre un matriarcado y una ginecocracia, término para el que no existen antónimos. ¿Cuál sería su opuesto? ¿Patriarcado? ¿Machismo? Dejémoslo en androcentrismo. La cuestión es el miedo a cambios sociales radicales por parte de antropólogos, incluso perteneciendo a sectores feministas. ¿No pierde entonces el feminismo toda razón de ser? Frente al miedo a los cambios culturales, yo apuesto por ellos. Por eso soy feminista y apuesto por la subversión de los géneros, ya que si el feminismo desea un cambio social y una reestructuración de la sociedad, mujeres y un sector de hombres han de romper con esos compartimentos estancos. A pesar de repetir que el género es independiente del sexo, se siguen considerando sinónimos. Ese afán es el que lleva a que un hombre biológico que no es transexual pueda decir que no es un hombre ya que su patrón no se corresponde con el que se supone que define a un hombre, pero tampoco se corresponde con el de mujer, ya que hoy en día es de ciegos no ver que los géneros ya han cambiado gracias al feminismo. El afán de continuar equiparando género y sexo legitimiza esta clase de vivencias y percepciones sobre uno mismo, aunque los géneros son el rol social y privado que se asocia a cada sexo (estética, vocabulario, maneras de actuar, hobbies, profesiones, etc., etc., etc.). Tan sencillo como eso. El feminismo hegemónico que pretende equiparar poderes, hasta ahí bien, o incluso adquirir más poder que los hombres, pero que lo hace a base de perpetuar el mismo sistema en el que se basa el machismo o androcentrismo, perpetuando la idea de dos géneros estáticos enfrentados pero condenados a unirse no me interesa e incluso me produce verdadera aversión. Pero la revolución feminista se ha dado y ha cambiado esquemas mentales, patrones y roles, es decir géneros. Por eso hay tantas y tantos feministas que sin estar adscritos a la teoría queer no paran de hablar de la transgresión de los géneros. Si los mantenemos, ya sabemos lo que nos espera. Lo que hemos vivido durante milenios. Así lo dice Virginie Despentes en Teoría King Kong, donde al contrario de famosos ensayos escritos con un denso vocabulario racional que aleja tanto a neófitos como a mí mismo, por ser más emocional que racional y manejar ese vocabulario aunque rompiendo normas racionalistas en la poesía en prosa. ¿Un referente feminista? No, no es Simone de Beauvoir. Y no, tampoco es Judith Butler. Por haber tenido algunas vivencias similares, por entender el mundo de la misma manera, porque quiero como ella que los géneros tradicionales se rompan, y por el sencillo vocabulario que usa intercalándolo con metáforas oníricas y relacionadas con el inconsciente, es definitivamente Virginie Despentes, compartiendo desde siempre la controvertida idea de una sociedad de mujeres violentas que tiene Diamanda Galás.
Dear Diamanda.
You may not be very sociable and you may be prone to physical
isolation, but not to mental or emotional isolation. I feel you more
than many people I can touch. Maybe sometimes you lose your manners
(which I love), but you care about the people that is important to you
many more than a lot of extremely polite people that I know. I have to
thank you again for details like this, for your dedication to your
followers and for devoting your time in the middle of
an international tour to sign or the albums that your fans preordered
or a photograph like this that has come to me today. But above all and
as you know, I will always have to thank you for helping someone like me
who resorted to you looking for help although you didn't know me at
all, for giving me just the advices I needed, and for providing me all
the information that not even some fucking doctors gave me, in addition
to having shown interest in my work since then.
Mientras espero fervorosamente a que los dos nuevos discos de la atemporal Diamanda Galás lleguen a mis manos tras cruzar el océano lo antes posible, tengo que agradecerle que durante los meses previos al lanzamiento de All the way dejara escuchar algunos de sus temas, y que desde el pasado 24, día de lanzamiento del disco, su nuevo equipo y ella hayan colgado en Youtube los ocho temas que constituyen At Saint Thomas the Apostle Harlem al completo, mientras que la tónica habitual de las discográficas es la de eliminar de Youtube, cada vez en mayor cantidad y con mayor frecuencia, cuantos vídeos o audios puedan. Todo seguidor de Diamanda, a pesar de no llegar a tanta gente como quisiera por ser una artista auténtica y sin concesiones cuya presencia en los medios es por otra parte cada vez más masiva, pero con una presencia y actividad constantes y un público absolutamente fiel y cada vez mayor, de lo que carece la basura de usar y tirar creada por la MTV que desaparece del mapa para el resto de la vida con todo su dinero tan rápidamente ganado como necesariamente gastado, conoce las razones de su procedimiento inverso al habitual en el mundo de la música (realizar desde mediados de los 90 giras para posteriormente grabar discos con los mejores temas o performances realizadas durante ellas debido a la política de Mute que estaba resultando un obstáculo para la creación y difusión de la música de Diamanda, sin ser un caso aislado ya que son cada vez más los artistas que incluso deciden prescindir de las discográficas en su sentido tradicional), y que las reinterpretaciones de los mismos temas que aparecen en distintos discos nada tienen que ver con una pérdida de originalidad, sino, todo lo contrario, una sorprendente capacidad de improvisación debido a su formación tanto en música clásica como en el free jazz, que tan diferentes los hace entre sí cada vez que decide incluirlos en más discos, a sumar a su sorprendente y admirable capacidad de reescribirlas casi al completo para adaptarlas a su mundo interior dejando de ser meras copias de los originales. Sería por lo tanto injusto, ya que además sus proyectos son siempre conceptuales, algunos de los cuales han sido interpretados en giras mundiales sin terminar siendo grabados y lanzados como productos discográficos, reducir las críticas y análisis a la comparación de temas reinterpretados y regrabados y no contemplar cada disco como una obra total con su propia personalidad y discurso. Así que veamos...
No quisiera con esto ofender a Diamanda, a la que además me une algo más que mi admiración por su música, pero llega a aburrir el que las reseñas de sus discos se reduzcan muchas veces a su sobradamente conocido y admitido virtuosismo como cantante, pianista y compositora, sin aportar nada nuevo y dando la impresión de que pocos se percatan de que otra de las grandes virtudes de Diamanda es el concepto sin fisuras con el que concibe el disco al completo y de la perfecta manera de hilvanar los temas creando una verdadera historia, quizás autobiográfica, incluso tratándose de reinterpretaciones de clásicos del jazz y el blues cuyas letras no han sido escritas por ella, como en este caso. Según diversas declaraciones de Diamanda, el proyecto que tenía en mente para Guilty Guilty Guilty de 2008 fue mutilado por Mute y no tardó en cortar con ellos, lo que sin saberlo a ciencia cierta me hace intuir que, ya que posteriormente se dedicó durante un tiempo a vender temas independiententes descargables desde su web, algunos de los cuales aparecen en este trabajo, se traten quizás de descartes de aquel gran trabajo. Y es que All the way se puede considerar como una segunda parte o continuación de aquel disco. Diamanda es para muchos ofensivamente honesta y escupe a los eufemismos. Quien no sabe lo que es el odio o se dedica a disfrazarlo y reprimirlo, no puede sencillamente tener ni la más mínima idea de lo que es amar. El disco narra a la perfección el desbordante amor y la entrega total de una mujer que es despreciada y traicionada hasta que se venga del ahora objeto de su odio por haber sido deliberadamente dañada. Sí, dejémonos de gilipolleces. he dicho odio y venganza, ese término que es por tanta gente sustituido por el de karma por mera cobardía y para sentirse mejores personas, si bien es cierto que la venganza personal, no la institucionalizada, resulta muy difícil de llevar a cabo si por encima de cualquier otra persona uno valora su propio bienestar. Comenzando por temas en los que Diamanda parece llorar y lamentarse por un amor no correspondido con la misma intensidad ("All the way", "You don't know what love is"), pasa a expresar la rabia que va apareciendo con el amor ignorado ("The thrill is gone"). El odio, el deseo de venganza y su planificación aparecen ("Round Midnight"), algo que lleva a Diamanda a invocar, enfrentarse y quizás incluso convertirse en la Muerte misma lanzando sus desgarradores pero al mismo tiempo melódicos gritos ("O Death"), y finalmente la venganza es efectuada ("Pardon me, I've got someone to kill"), un tema, este último, inusual por estar acostumbrados a que los discos finalicen con un tema más lento o triste, pero que en este caso le concede al disco una perfecta coherencia. ¿Qué mejor que convertirte en la misma Muerte para escapar de ella y del miedo que se le tiene? Aquí tenéis un par de temas, en Youtube podéis escucharlos en su totalidad y orden correspondiente, aunque personalmente agradecería que la gente, tras interesarse por los temas, comprara sus discos para darle a Diamanda la posibilidad econónica de seguir produciendo esa música que quizás no habíais escuchado pero que os ha atrapado.
El título escogido para este disco por Diamanda y su nuevo equipo se debe a que se trata de una selección de ocho temas interpretados en la citada catedral de Nueva York, y no a una selección de temas interpretados en diferentes fechas y ciudades durante la gira que llevaba por nombre Death will come and will have your eyes en referencia al poema musicalizado de Cesare Pavese que da comienzo al propio disco, pudiendo parecer que pierde esa habitual unidad conceptual de sus proyectos, aunque en realidad se trata de un acuerdo con los productores del concierto basado de principio a fin en lo que Diamanda ha denominado canciones de odio, desde el odio temido al deseado, en el que además Diamanda mostró por fin nuevo material compuesto por ella, como la citada "Verrà la morte e avrà i tuoi occhi", o la larga, agónica y bella canción "Die Stunde Kommt", un poema de Ferdinand Freiligath musicalizado por Diamanda, aunque existe una versión anterior compuesta en 1800 por Franz Liszt que nada tiene que ver y que Diamanda detesta, un poema del que Marlene Dietrich quedó absolutamente fascinada y a la que Diamanda dedica el tema. Este disco es quizás el más clásico de toda la carrera de Diamanda desde su primera grabación en solitario de 1982, el disco en el que su formación en música clásica más presente está por encima del free jazz, mostrando más que nunca su formación como soprano con lineales melodías al piano mucho más sosegadas que en casos anteriores, incluso en temas como "O Death", tercera vez que se incluye en uno de sus discos, aunque manteniendo los desgarrados alaridos pero más agonizantes y malheridos. Esta impresión de una Diamanda más herida que me da este disco no va desde luego a debilitarla. De hecho, y sabiendo que posee una ingente cantidad de material inédito, no sólo le deseo, sino que le auguro un futuro musical y profesional del que se encargará su propio sello discográfico, Intravenal Sound Operations, y sus nuevos productores y distribuidores, con mucha más repercusión, beneficios económicos y libertad artística de las que Mute le permitía, y quién sabe si volveremos a escuchar nuevas grabaciones de estudio que retomen las características obras electroacústicas e instalaciones cuadrafónicas con las que se dio a conocer. Aquí tenéis los 2 temas que he mencionado más una versión del tema "Angels" de Albert Ayler en la que vocaliza la melodía de saxo de este tema instrumental.
Gracias por existir, Diamanda. Le debo mucho a tu música por mucho que te empeñes en negar que sea terapéutica, y a tu propia persona.
Muchísimas gracias a Diamanda por utilizar una de las fotografías que le realicé durante el concierto del pasado octubre en el Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona, para promocionar uno de los temas que no solía interpretar con anterioridad, el tema tradicional mexicano La Llorona, tema que quién sabe si incluirá en su próximo disco, pero desde luego tiene mucho interés en mejorar su sonido... La fotografía está además a la venta firmada por ella junto a otras cuatro. El link a la canción se encuentra en su página oficial de Facebook, enlace que os dirige a la escucha de la misma y que os podéis descargar tanto allí como aquí. Que la disfrutéis, se trata de una interpretación sublime y llena de sentimiento.
El Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona, fue el lugar escogido para que Diamanda Galás presentara en España el pasado 11 de octubre su último proyecto tras haberlo dado a conocer en EEUU y otras ciudades europeas. Lugar, este teatro, perfecto para una cantante y pianista para la que el ser griego es una realidad espiritual y no geográfica, tanto por su continente inspirado en los templos de la Grecia Clásica con grandes columnas dóricas, como por su contenido dotado de una acústica adecuada para que el sonido del piano y la voz de Diamanda dieran vueltas y vueltas libremente, acariciando y arañando al público. Se trata de un show titulado Death will come and will have your eyes, traducción al inglés de un poema del italiano Cesare Pavese, Verrà la morte e avrà i tuoi occhi. Con este nuevo tema que no había dado a conocer hasta el momento, comenzó el concierto, un concierto que continuó con nuevas composiciones basadas en poemas y nuevas versiones de temas que hasta ahora Diamanda no había interpretado, si bien reinterpretó algunos de sus temas favoritos desde hace años, como O Death, siempre irrepetible y única cuando es cantada por Diamanda que tan a la perfección conjuga el más disciplinario perfeccionismo con la más salvaje improvisación, el más puro romanticismo con las denuncias más abiertamente políticas (aún hoy, tras haberme graduado en Historia del Arte, me pregunto qué imbécil decidió que se trataba de conceptos contrapuestos para hacérselo creer a su vez a una legión de historiadores, críticos y teóricos del arte a los que no animaron a que pensaran por ellos mismos), la más antigua escuela con algo aún sin bautizar que está a punto de adelantar a la vanguardia en su carrera, y, cómo no, la vida contra la muerte, y no al contrario como tanta gente simplista pretende mientras Diamanda no se cansa de negar que sea gótica y explicar que su estética y su actitud se corresponden con un diario enfrentamiento contra la Muerte, enemiga de la Vida en cuyos asuntos se mete en todo momento, conduciéndonos a los que entendemos el mundo como Diamanda a la nietzscheana afirmación de la misma aunque suponga un eterno sufrimiento, con tal de demostrarle a la Decimotercera que no siempre salen las cosas como pretende. Yo mismo soy víctima de los simplistas comentarios que la gente vierte sobre mí por el cine de terror que siempre me ha apasionado y que tanto me ayudó a desarrollar la empatía, y por mi estética. Y nunca me canso de responder que no me consideréis el novio de la Muerte, ya que lo mal que me llevo con la vida no impide que odie a la que me quiere poner fin. Porque el negro y el rojo son mis colores favoritos. El negro, por el oscuro limo que las inundaciones del Nilo depositaban sobre la tierra garantizando el éxito de las cosechas y la supervivencia de los egipcios antiguos. El rojo, porque la sangre es la vida. Me puedo hacer una perfecta idea de cómo transcurre la vida de Diamanda. Al fin y al cabo, los que entendimos sin problemas su música y lo que con ella pretendía nos vimos reflejados en ella y la sentimos como un chamánico viento que nos empujaba siempre hacia delante, por mucho que Diamanda niegue que su música sea terapéutica. Su sola figura en el momento en el que aparece en el escenario, caminando elegantemente mientras muestra su bello y largo cabello negro y sus andróginos (que no masculinos) y duros rasgos faciales angulosos, fascina y excita en el sentido incluso más sexual. Qué puedo decir yo, si crecí con iconos como David Bowie, Marlene Dietrich o Annie Lennox... En fin, durante el concierto me dediqué a tomarle las fotos que siguen debido a mi pasión por la fotografía como forma de arte, sin flashes, que detesto y ni sé usar pero tampoco los hubiera usado para no molestar, y con la escasa capacidad de movimiento que me confería el estar sentado en el sillón de un teatro, rodeado de un público español del que al menos puedo presumir que, salvo los gilipollas de siempre, respeta totalmente los shows y las películas independientes en V.O.S., no emitiendo el más mínimo sonido hasta que Diamanda finaliza un tema y toda la audiencia grita y piropea al mismo tiempo. Qué lástima que soy tan estúpidamente tímido que no grité mi nombre cuando te dirigías al público, estando además en primera fila y deseando que simplemente te giraras unos míseros grados a tu izquierda, conocedora de que yo estaba entre el público, pero bastante tenías con superarte a ti misma y no decepcionar musicalmente ni a la audiencia ni a ti misma. Y yo ante eso sólo puedo sentir respeto. Pero el tiempo y las casualidades, a menudo buscadas, se comportan de una manera que no esperamos. La sorpresa siempre está ahí, esperando sorprendernos. En las ocasiones favorables no debemos luchar, sino dejarnos llevar. Lo que no me atreví a hacer, otra de esas razones que tan consciente me hacen de ello, así que decidí disfrutar del nuevo material de Diamanda tomando de vez en cuándo algunas fotografías sin flash (no me cansaré de decir que odio las fotografías con flash y siempre me he negado a aprender a utilizar incluso el más sencillo) que junto a la escritura constituyen mis dos vías de expresión artística. Siento no haber tomado fotos en los momentos de más acción (cuando se levantaba y saludaba al público, durante los desgarros vocales más límites acompañados de considerables efectos de iluminación al interpretar O Death, o cuando le daba golpes al piano a modo de percusión en See that my grave is kept clean), pero estaba demasiado fascinado mirándola y escuchándola...
Como ya se ha señalado, a lo largo de estas fotografías interpretó nuevas poesías musicalizadas, algo que siempre le ha fascinado hacer aunque sus propios textos no tengan nada que desmerecer, comenzando por el poema de Cesare Pavese que da nombre a la gira y que esperemos, como ya ha hecho tantas veces, dé nombre al disco que publique tras la gira, curiosa manera de trabajar por ir en contra de la norma, aunque por otra parte, algo lógico si tenemos en cuenta su ruptura con Mute y que toda la financiación corre a su cargo, por lo que espero, ¡Oh Satán, ten piedad de mi larga miseria!, que no deje en agua de borrajas uno de los mejores trabajos de su carrera, Das Fieberspital, una verdadera joya que va mucho más allá de una pianista quieta y sentada, tratándose de un espectáculo musical teatralizado en el que recupera de alguna manera la forma de trabajar de los 80, jugando con polifonías y electrónica, y que si todo va bien al menos el año que viene tendremos la oportunidad de admirar el show en vivo cuando se lo lleve de gira. En el caso que nos ocupa ahora, lo importante es descubrir no sólo que su capacidad de transformar cada tema en algo distinto en cada una de sus interpretaciones sigue fuerte e incluso gana en ingenio, sino que además ha comenzado a interpretar clásicos del blues y el jazz que hasta el momento no solían formar parte de su repertorio, atreviéndose también con un tema tradicional mexicano como La llorona y vocalizando la melodía de saxo de Angels de Albert Ayler como ya hiciera en el pasado con Lonely woman de Ornette Coleman, y sobre todo que dispone
además, como ya se ha escuchado en diversos conciertos y como ella
misma ha afirmado en varias entrevistas, de quién sabe qué ingente
cantidad de composiciones propias habitualmente basadas en poemas de los que el de Cesare Pavese no es más que un ejemplo, otras nuevas composiciones
que ya ha interpretado en esta gira, y otras tantas que aún no ha dado a
conocer y sobre las que está trabajando.. Tenemos un ejemplo en el nuevo poema de Ferdinand Freiligrath Der Stunde Kommt, poema que fascinó a Marlene Dietrich, musicalizado por la propia Diamanda,
Angels (Albert Ayler)
Der Stunde Kommt (Ferdinand Freiligrath/Franz Liszt)
La llorona (canción tradicional mexicana)
O Death (tradicional, popularizada por Ralph Stanley)
No podía faltar este último tema que tiene costumbre de interpretar desde el disco Guilty! Guilty! Guilty! pero que tanto varía cada vez que la toca, uno de los temas en los que más rienda suelta le da a su polifónica y rasgada voz no pidiéndole permiso a la Muerte para que le deje vivir más años, sino prácticamente exigiéndoselo. Esperemos, espero, que finalmente Diamanda pueda permitirse grabar sus siguientes discos y distribuirlos. En cualquier caso, los escenarios no los dejará nunca, y nos puede dar muchas sorpresas.
El tiempo pasa, pero no lo suficientemente rápido como para que no llegue el día en el que te dé dos besos y te agradezca todo lo que hiciste por mí sin que supieras quién era yo. Go on, terrible adversaria de la Muerte. Sigue gritándole hasta que se asuste y nos deje tranquilos. Then she'll let our people go.
josusein.com (todas las fotografías aquí mostradas fueron tomadas por mí el pasado 11 de octubre en el concierto de Diamanda Galás en el Teatre Nacional de Catalunya, Barcelona)
En memoria de Roger, inmerso en la silenciosa noche de la Tierra de la Juventud
Macrofotografías realizadas este diciembre del 2015 a una pequeña figura de Roger guardada como recuerdo (Josu Sein)
Diamanda Galás: "Vena Cava part 8"
Te echo de menos...Ha pasado
tanto tiempo...¿Cómo estás?Estoy bien...he estado aquí afuera tanto
tiempo...nos recuerdo juntos...tan verde allí...está tan negro
aquí...sólo me pregunto por cuánto tiempo puedo continuar...pienso en ti
siempre...pienso en mamá y en Palepa y en Gordon...¿Está bien?...vivo
en sueños ahora e intento recordar cada detalle del pasado...intento
construir una memoria perfecta de todo lo que se ha ido antes de ahora
tan lejos de la vida...¿Cuántos hay en el agujero ahora?...cayendo de la
Tierra como hombres viejos sin historia...¿Recuerdas si yo estuve
alguna vez ahí o estoy soñando?...tienes que recordarlo por mí porque
estoy perdiendo días...ayúdame a cruzar ese puente...está tan lejos...no
puedo hacerlo...un paso dos pasos tres pasos...¿estoy respirando?¿es
esto un dios?lo veo arrastrarse hacia mi tumba sobre las manos y las
rodillas y cayéndose...cayéndose...cayéndose fuera de la luz a la oscuridad...sujétame...sujetadme
fantasmas del amor y ojos adorables pueden sujetarme en el sol cuando
la vida ha acabado ángel mío ¿estás ahí?...¿Puedes oírme?...Estoy lejos
pero no demasiado lejos para los sueños...tu cara...tu cara...cógeme de
la mano te enseñaré dónde estoy...oscuridad...oscuridad...siente el viento ángel mío ¿estás aquí?escucha mi respiración...estoy cerca de ti esperando...esperando...Mírame
sonreír...el sonriente sol está por todas partes...ahora me llevan
escaleras abajo...el corazón latiendo lentamente...lentamente
agárrame...sujétame cerca...es mi juicio él me ve... noche de paz...
Tori Amos: "Carry" (vídeo oficial, variación sobre "The Girl with the Flaxen Hair from Préludes I", Debussy)
Amor, coge mi mano, ayúdame a ver con el amanecer que los que se han ido no han desaparecido, sino que continúan como estrellas mirando abajo, como hijos de la naturaleza e hijas de los cielos...
Tú nunca serás olvidado por mí, en la procesión de las poderosas estrellas tu nombre es cantado y tatuado ahora en mi corazón, aquí te llevaré, llevaré, llevaré para siempre...
Tú has tocado mi vida, así que ahora las Catedrales del sonido están cantando, están cantando... Las olas han venido para caminar contigo hacia donde vivirás, en la Tierra de la Juventud...
Tú nunca serás olvidado por mí, en la procesión de las poderosas estrellas tu nombre es cantado y tatuado ahora en mi corazón, aquí te llevaré, llevaré, llevaré para siempre...
Diamanda Galás, norteamericana
de raíces griegas, conocida por su amplitud de voz de 5.4 octavas y 1
semitono (este dato varía según la fuente consultada), aunque lo que
importa no es eso sino lo que es capaz de hacer con ello, alejándose del
estereotipo de una cantante de ópera tradicional y rasgando la voz
hasta límites insospechados (una voz terrorífica para mucha gente),
además de ser una excelente pianista, performer, artista de artes
escénicas y
pintora, ha centrado su trabajo desde los 80 sobre todo en la defensa de
los seropositivos (tiene tatuado en los nudillos "WE ARE ALL HIV+"). Su
propio hermano murió de sida y ella afortunadamente se curó de una
hepatitis C muy avanzada. Pero no sólo se ha dedicado a los
seropositivos, sino al feminismo y a toda clase de víctimas que sufren.
Víctimas de genocidios, enfermos mentales recluídos, poetas exiliados,
presos políticos y manipulados psicológicamente, víctimas de la pena de
muerte, gente
enamorada que ha sido humillada por sus parejas, y un largo etcétera.
Hay que ser muy valiente para todo ello, y musicalmente hablando, para
cuando más famosa se estaba haciendo tras publicar su primer disco en
1982, haber roto el contrato con la discográfica MUTE para prescindir de
cualquiera de ellas, por lo que toda la financiación de sus proyectos y
difusión de sus trabajos corre a su costa y a la de los integrantes de Intravenal Sound Operations,
el
organismo que ha creado para todo ello y que podríamos considerar su
propia discográfica aunque se aleja del prototipo de una discográfica y
se centra únicamente en su trabajo. Nunca he conocido a nadie tan
valiente en los 2 aspectos, porque en lo que se refiere al primero, a la
temática de sus trabajos, no es una simple temática y adiós, o
participo en un concierto benéfico y ya no me veis más hablando del
tema, sino que en la vida cotidiana ha formado parte de grupos
activistas.
Extremadamente perfeccionista, tanto este hecho como el haber
prescindido de las discográficas es lo que está retrasando un trabajo
que ya comenzó a grabar hace 2 años y por el que ha realizado giras
mundiales, "Das Fieberspital", basado en un poema de Georg Heym,
un largo trabajo similar al de los 80, trabajando con la electrónica y
no sólo con el piano, y que irá acompañado de otra pieza basada en otro
poema de
Heym, si el diablo así lo quiere y finalmente su trabajo, que de nuevo versa sobre la enfermedad y los hospitales, ve la luz.
Aunque yo ya era fan de su música, en cuanto me afecté de hepatitis C,
sin saber qué hacer ni a dónde dirigirme, me dirigí precisamente a ella a
través de su manager sabiendo que me contestaría, porque lo suyo no es
postureo. Así fue, y creo que nunca será consciente de cuánto me ayudó
con sus consejos. A partir de ahí nos hicimos amigos, por mi parte por
lo menos así la considero yo, chateando sobre nuestras vidas a través de
su cuenta personal de Facebook, una cuenta que le cerraron
supuestamente por fomentar el odio simplemente porque no tiene pelos en
la lengua. Sigo odiando a todos esos putos censores que permiten entre
otras cosas la difusión de imágenes de maltrato animal y se asustan de
un jodido pene o un coño, como si ellos no los tuvieran. Desde entonces,
y por estar inmersa en su trabajo, nuestra comunicación ha sido escasa,
pero sabe que la quiero, como persona y no como un fan más, y que la
echo de menos. Hoy cumple 60 años. Feliz cumpleaños, sweetheart.
Utiliza este día para homenajearte a ti misma, algo a lo que no nos han
enseñado y que debería de ser la función de un cumpleaños.
Hace sólo 2 meses que hablé de cómo un amigo gay que se folla lo que se le pone por delante fue tan hipócrita como para escandalizarse de mis fotografías de contenido sexual. Bien, pues esta vez un amigo mucho más antiguo al que conozco desde que comencé a estudiar fotografía en Barcelona en el año 2000, época en la que la temática de mi obra, que él valoraba y con quien he llegado a realizar una exposición conjunta, era la misma, me ha bloqueado en Google+ justificándose con las siguientes palabras: "Referente al envió de tus fotos ... He de decirte que siempre que sea arte para crear serán bienvenidas pero también me has enviado fotos de penes, masturbaciones y eyaculaciones que como hetero han dañado mi sensibilidad." ¿Cómo alguien que me conoce desde hace 15 años puede malinterpretar mi arte que no está pensado para dirigirse, por lo menos únicamente, a los gays? ¿Acaso los heterosexuales no tienen erecciones y eyaculan? ¿Cómo tuvo este amigo pues a sus hijos? ¿Acaso todo el que tiene hijos termina haciéndose del "foro de la familia"? ¿Con qué derecho se molesta además al intentar hacerle ver que el que debería de estar molesto soy yo por el insulto implícito que hay en sus palabras hacia cualquier orientación sexual que no sea la hetero? ¿Cómo tiene los santos cojones de insinuar que lo que hago no es arte ni creación? ¿Tendría los mismos cojones para decir que la obra de gente como Mapplethorpe no es arte? ¿Es que no se da cuenta acaso de que la manifestación física y biológica más análoga a la creación es precisamente el sexo y que con mi obra lo que intento es hacer frente a las enfermedades potencialmente mortales que lamentablemente tengo mostrando que mi cuerpo vive y juega? ¿Se escandalizan acaso los gays ante las manifestaciones heterosexuales? Uno de mis fotógrafos favoritos sin ir más lejos es Saudek. Yo interpreto las fotos heteros explícitas como una manifestación de la
vida al igual que las homo. Hace mucho tiempo que tengo la intención de
que mi tesis de final de carrera de Historia del Arte verse sobre la
moralina, el escándalo, la censura y el tabú en torno al cuerpo que reina hoy en día
en las redes sociales con la consiguiente imposibilidad de mostrar muchas veces mi
arte que no pinta absolutamente nada en una página porno. Mientras tanto, como diría Diamanda Galás, al diablo hay que llamarle por su justo nombre: Impotente, Homófobo, Hipócrita y Cobarde. Hay actitudes que cada vez tolero menos, así que mientras las siga percibiendo exageraré más mi arte, y a todos vosotros que actuáis así sólo os diré una cosa: COMEDME EL CULO.
Autodesnudos realizados este mes de julio
Diamanda Galás: "This is the Law of the Plague" (live)
Siento profundo desprecio por todos los que alguna vez dijeron ser mis
amigos, para los que estuve al teléfono noches enteras cuando les ocurría
algo, y que han desaparecido cuando el dolor ajeno les incomoda. He
recibido más atención y disculpas incluso por parte de alguien
diagnosticado literalmente de psicopatía, algo que implica la
incapacidad absoluta de empatía. A todos los que no sabéis por lo que
estoy pasando porque a pesar de ser mis supuestos amigos hace meses que
ni cogéis el telf o contestáis un
mensaje, y a todos los que sabéis que tengo 3 vértebras fracturadas
debido a una osteomalacia que me ha aparecido de la noche a la mañana y
que falta investigar si es debida a una porfiria cutánea tarda que la hepatitis C ha desencadenado pero que sería una posibilidad teniendo en
cuenta que en muchos pacientes ambas enfermedades se dan al mismo
tiempo, y que a pesar de ello habéis demostrado no ser amigos sino
enemigos, no os deseo nada que sea inferior al dolor físico y psíquico
que siento multiplicado hasta el infinito. El concepto de intimidad es
totalmente subjetivo y esto lo escribo bajo los efectos de los opiáceos
ilegales que he tomado para aguantar el dolor, pero me conozco y sé que
no me arrepentiré de haberlo escrito. Maldita mi suerte que la única
persona en el mundo que sé que estaría ahí para mí desinteresada e
incondicionalmente como yo lo estaba para él se suicidara hace mes y
medio, a excepción de gente que no quiero mencionar pero que sabéis
quiénes sois porque acabo de hablar con vosotros y sé que estáis ahí . Yo nunca tendré el
valor para hacer lo que hizo el que ahora me doy cuenta de cuánto me
quería a pesar de tener una caja de fenobarbital entera si quisiera
hacerlo. Pero que nadie que realmente me quiera se preocupe. Con o sin
dolor, viviré longevos años para poder repartir tanto mi amor como mi
odio entre los que se merecen uno u otro, ya que desprendo ambos por los
4 costados. De momento, así es como me siento y así es como deseo que
os sintáis todos esos diablos frígidos e impotentes cuya visión resulta
más desagradable que la de las vísceras desparramadas de una pobre
cucaracha inocente que ha sido aplastada sin intención, no así como
desearía que fuerais aplastados vosotros.
Esta serie de autorretratos está realizada a partir de la
superposición y manipulación de autorretratos de diversas fechas e
imágenes de una resonancia magnética y radiografías del pasado mes de
febrero. Son 5 fotos realizadas esta misma noche. Supongo que la serie se irá ampliando.
Diamanda Galás: "Consecration"
Hoc est signum corpus meum. Hoc est signum sangre meum.
Diamanda Galás: "You must be certain of the devil"
THE KEY TO THE CITY IS TO THE MAN WHO DOESN'T RUN. THE KEY TO THE CITY IS TO THE MAN WHO TAKES A GUN. THE KEY TO THE CITY IS TO THE MAN WHO KEEPS HIS FRIEND, AND TO THE ONE WHO DOESN'T LEAVE HIM TILL THE END.
Tori Amos: "Taxi Ride"
Just another dead fag to you, that's all. Just another light missing on a long taxi ride. I'm down to your last cigarrette, and this "we are one" crab as you're invading this thing you call love. She smiles way too much, but I'm glad you're on my side still...
Gérard de Nerval: "Artémis" La Decimotercera vuelve... Otra vez la primera;
Y es la Única siempre, — o el único momento:
¿Pues eres Reina, oh Tú, la primera o postrera?
¿Y eres tú Rey, tú el Único o tú el último amante?
Ama a la que te amó desde la cuna hasta el féretro;
La que yo solo amé me ama aún tiernamente:
Es la Muerte — o la Muerta... ¡Oh delicia! ¡oh tormento!
La rosa que sostiene es una Malvarrosa.
Santa napolitana con fuegos en las manos,
Rosa de alma violeta, flor de Santa Gudula,
¿Has hallado tu Cruz en el yermo del Cielo?
¡Caigan las rosas blancas, insulto a nuestros Dioses!
Caed, fantasmas blancos, de vuestro cielo en llamas:
— ¡La Santa del Abismo es más santa a mis ojos!
Diamanda Galás: "Artémis" (musicalización del poema de Nerval)
Antes de pasar a analizar
esta obra, extensible al resto de sus trabajos, es conveniente dar
algunos apuntes sobre la propia Diamanda Galás.
Norteamericana de
padres griegos ortodoxos, desde pequeña fue animada por su padre a
tocar el piano, pero no así a cantar debido a la tradición griega
en la que las prostitutas cantaban para atraer a clientes, imposición
a la que no hizo caso (más adelante se verá cómo paradójicamente
Diamanda ejerció como prostituta, época en la que ya mayor de edad
descubrió su capacidad como cantante), desarrollando su voz hasta
alcanzar las 3 octavas y media y siendo hoy en día comparada con
Maria Callas, pero nunca se quiso limitar a ser una soprano (o bajo,
ya que es capaz de alcanzar los 2 registros) y pianista clásica, ya
que según ella no importa tu voz per se, sino lo que haces con ella,
que es donde se encuentra la virtuosidad y no en unos atributos
inherentes desde el nacimiento que sólo se utilizan para imitar
estereotipos de lo que se considera "bueno", al igual que
lo que haces con tu cuerpo, razón por la cual estudió artes
escénicas además de Bioquímica, especializándose en inmunología
y hematología. Feminista radical, maníaco depresiva y con tendencia
a la soledad y el aislamiento, cree profundamente en el poder de la
empatía hacia los grupos desfavorecidos, como pueden ser los
exiliados, los presos políticos, las víctimas de genocidios, los
enfermos mentales recluidos, los homosexuales y especialmente los
enfermos de SIDA con los que trabaja codo con codo no sólo a través
de su música y performances, sino buscando nuevas soluciones y
medicinas debido a sus estudios científicos (su amado hermano murió
de SIDA). Tampoco se ha olvidado nunca de las personas abandonadas,
decepcionadas y engañadas en el amor. En todos estos grupos es en
los que ha basado la mayor parte de sus trabajos y su discografía.
Tras estos apuntes
resulta más fácil entender esta obra y poder analizarla desde 2
puntos de vista; el del feminismo radical y el de poder o no
clasificarla en alguna corriente artística o forma de arte, para lo
que en primer lugar adjunto el link que conduce a la escucha de esta
pieza incluida en su primer disco de 1982, "The Litanies of
Satan", y la letra traducida al castellano.
MUJERES SALVAJES CON
CUCHILLOS DE COCINA (CANCIÓN DE AMOR HOMICIDA PARA SOLO DE GRITO)
Me encomiendo a mí misma
a una muerte sin importancia,
a la amputación de todas
las manos que buscan,
tirando, sujetando, con
la fuerza de naciones, de sirenas,
en una interminable dicha
sangrienta hacia una muerte de mero salvajismo
y el nacimiento de blanco
nacarado terror.
Mujeres salvajes con
venas cortadas y úteros desparramados,
cantando canciones sobre
el instinto de la muerte con voces todavía no escuchadas,
alabando nada excepto la
promesa de la Muerte en la tierra,
riendo mares de sonrientes ojos rojos,
todas lavadas en la
orilla y devoradas por fuertes y ciegas arañas.
Me encomiendo a mí misma
a una muerte más allá de toda esperanza de redención,
más allá del deseo de
olvido,
más allá del deseo de
sentir todas las cosas en cada momento,
pero para nunca olvidar,
para asesinar en nombre del asesinato,
y con un puro y el más
feliz de los corazones,
elogiar y redimir la
Enfermedad.
Tras la escucha de la
pieza y la lectura de la letra, podemos centrarnos en primer lugar en
su contenido y su intención, que además de tratar sobre la
esquizofrenia y el comportamiento extremo tal como explica Diamanda
(no será la primera vez que edite discos con "canciones de amor
homicidas") y dejar claro que cantar acerca de la muerte muestra
lo importante que es la vida, aboga claramente por un feminismo
radical en contra de cualquier tipo de opresión sobre la mujer que
muchas otras feministas no compartirían, y es que en muchas
ocasiones su feminismo roza la misoginia, siendo ella misma la que
declara que no sabe cuál es la razón, pero que todos sus escritores
favoritos, como Oscar Wilde, Charles Baudelaire, Friedrich Nietzsche
o William Burroughs, son o han sido misóginos. Esta actitud tan
radical es la que provoca que pocas de sus obras traten del feminismo
explícitamente, salvo en casos como éste, pero siempre deja patente
su admiración por las mujeres que actúan además de quejarse, como
comienza a ocurrir en el mundo musulmán, y critica la vertiente del
feminismo que defiende el concepto de "femineidad" marcado
en realidad por la cultura machista. Esta clase de feminismo es más
que evidente en su imagen andrógina, en su forma de cantar y en su
manera de actuar. Diamanda, tras independizarse de sus padres a los
19 años, ejerció como prostituta en California como reto personal,
donde la prostitución es ilegal y por lo tanto la primera
delincuente es la propia prostituta a pesar de las cuatro violaciones
que sufrió, razón por la cual siempre defendió a la prostituta
Aileen Wuornos sobre la que se realizó la película "Monster"
y se mostró absolutamente en contra de su pena de muerte y de la
pena de muerte en general. La propia Diamanda, junto a sus amigas
transexuales y drag-queens de las que dice que aprendió lo que era
la femineidad, iban siempre armadas con una navaja, y es que Diamanda
cree en la fuerza del odio y la venganza personal, pero esta venganza
nunca ha de ser institucionalizada como lo es la pena de muerte,
acercándose así a posturas como la del mencionado William Burroughs
con el que tuvo buena relación, quizás debido a la aparente
misoginia de ambos que probablemente no sea más que eso, aparente.
Fue en esta etapa cuando sus amigas le comenzaron a decir que tenía
buena voz, voz que desarrolló tras comenzar a consumir LSD para
liberarse de las represiones de una familia griega ortodoxa en EEUU
en la que ninguna referencia al romanticismo tenía cabida. Diamanda
ha declarado en diversas ocasiones que los violadores deberían de
ser castrados, violados analmente y llevar el tatuaje de "VIOLADOR"
en la frente hasta el fin de sus días, fin que no debe ser
inmediato. De hecho fundó un escuadrón vigilante anti-violación y
procastración llamado "Las vaginas en cuero negro". El
título de esta pieza en concreto, con la música y la letra
compuesta y escrita por ella, proviene de la tradición griega. En
los funerales, las mujeres presiden el ritual cargando cuchillos
largos. Según ella es un ritual acerca del poder de las mujeres que
ellas usan para inspirar venganza por aquellos que fueron asesinados,
mujeres que nunca perdonan nada. Su feminismo radical llega hasta el
punto de que alrededor de los 30 años se esterilizó por considerar
obscena la idea de la maternidad, diciéndole al cirujano que quemara
sus ovarios. Quizás algunas experiencias autobiográficas pudieran
ser ficticias para conformar un personaje que actúa de una manera
ejemplarizante, aunque hechos como que lleva en los dedos de una mano
tatuado "We Are All HIV" son ciertos, y aquí a pesar de
estar de acuerdo con matices de "la muerte del autor" ya
que cada individuo percibe diferentes aspectos de la obra que ni la
propia Diamanda quizás realizara conscientemente, de manera que los
que conectan con esos aspectos pueden ser así más capaces de
desarrollarlos en sí mismos como individuos y como grupos con otros
individuos que han sentido lo mismo, me cuesta muchísimo alejarme de
la noción casi romántica de autor en artistas tan personales e
identificables como Diamanda, y cuanto más críptico sea su
contenido y por lo tanto con un estilo muy identificable, aún más,
como me ocurre con Tori Amos en la música o David Lynch en el cine
(es un ejercicio divertido subir tus propias obras a internet,
fotografías y textos en mi caso, para ver lo que la gente opina y da
por hecho sobre tu persona y tu estado de ánimo), si bien es cierto
también que además de autora, el rol de Diamanda como artista que
odia el apropiacionismo es el de pedagoga, historiadora y revulsiva
social. El romanticismo y el activismo social van de la mano en el
caso de Diamanda. Lo que está claro es que el relato de estas
experiencias autobiográficas defiende una postura ante la vida
basada en que una mujer no debe ser definida como tal únicamente al
reproducirse y que no está constituida hormonalmente para ser
pasiva, siendo dicha pasividad parte del adoctrinamiento masculino,
con lo que si bien el sexo puede ser biológico existiendo también
la intersexualidad, el género en la cultura occidental, o mejor
dicho cultura de tradición monoteísta, es una representación y una
construcción social del patriarcado atacado por Diamanda ferozmente.
Una mujer es un individuo que ha de tomar conciencia de sí mismo,
ser activa y tomar las riendas liberándose de toda imposición
social.
Pasemos ahora a
analizar la obra no desde su contenido sociológico sino desde su
contenido formal y artístico. Aunque muchas de estas piezas están
preparadas para ser contempladas también en forma de performance,
lamentablemente no se encuentra en la red la correspondiente a esta
pieza, pero ya que una forma de mirar es la de imaginar, no existe
ningún impedimento para que gracias a la posibilidad de copia y
reproductibilidad que nuestra época nos proporciona, disfrutemos o
padezcamos de lo que Diamanda quiere transmitir con unos buenos
cascos en una habitación a oscuras. Diamanda suele explicar
detalladamente el porqué de sus actuaciones, en las que el público
no interviene directa y físicamente, pero debido al poder de la
empatía en el que cree, como se ha señalado en la introducción,
consigue que el público no consista en meros espectadores. Han de
ser participantes, partícipes del dolor o la rabia de los colectivos
desfavorecidos que Diamanda encarna, utilizando múltiples lenguajes
(inglés, castellano, francés, italiano, alemán, griego, árabe...)
y tonos de voz. Los lugares en los que realiza sus espectáculos, muy
dispares entre sí, como pueden ser teatros clásicos, museos,
pequeños locales, iglesias e incluso cárceles e instituciones
psiquiátricas, ayudan también a que no sea encasillada como mujer
que se aprovecha de ciertas causas sin creer en ellas y poder
interactuar con diferentes perfiles de individuos. Para esta pieza en
concreto, como continuaría haciendo a lo largo de su carrera, así
como para su representación en forma de performance, utilizó
efectos de iluminación y coreografías, incrementó la reverberación
y manipuló las coordinadas sonoras y espaciales mediante la
utilización de 4 o 5 micrófonos distribuidos en un sistema de
sonido cuadrafónico, utilizando drogas para entrar en estado de
trance y dirigiendo ella misma su actuación mediante "partituras
cinemáticas", como las denomina ella, que usa incluso en sus
conciertos de piano y donde se marcan los cambios de iluminación, de
tono, los movimientos del cuerpo, etc., ya que Diamanda, a pesar de
haber estudiado piano desde pequeña y haber dado recitales clásicos
siendo una adolescente, no sabe leer bien partituras clásicas. Como
se puede constatar en esta obra, ha sido influenciada por el
"Schrei", término proveniente del teatro expresionista
alemán, caracterizado por elevados estados de conciencia y de
emociones, así como de gesticulaciones y voz (hablar con el cuerpo y
moverse con las palabras). Sin llegar a extremos como los de los
accionistas vieneses, Diamanda, cuyas grabaciones se suelen realizar
en directo o en el estudio de una sola vez, ha acostumbrado a
encerrarse en jaulas y habitaciones de aislamiento para meterse en la
piel de los enfermos mentales recluidos y conseguir que su público
se meta también en la piel de ellos de manera que dejan de ser meros
espectadores y oyentes, se ha desnudado y se ha cubierto de sangre en
una anti-misa realizada en defensa de los enfermos de SIDA en la
Catedral St John the Divine de Nueva York, ha realizado prácticas
masoquistas, se ha dado baños de agua helada, e incluso en sus
conciertos de piano más "clásicos" en los que
(sub)versiona clásicos del blues hasta hacerlos irreconocibles ya
que parecen temas (re)escritos por ella, además de musicalizar
poemas de gente como Pasolini o poetas románticos franceses del
siglo XIX, ha llegado a dejar el piano manchado de sangre debido a su
extrema manera de tocarlo y los golpes que le da a modo de percusión.
En el plano no artístico, aunque cabría preguntarse si todos los
acontecimientos de su vida no están íntimamente relacionados con su
arte, además de lo ya relatado en su etapa como prostituta, su
esterilización y el tatuaje en sus nudillos, también llegó cuando
era estudiante de Bioquímica a unirse a un movimiento estudiantil
radical que declaraba que la experimentación médica debía
realizarse en cada uno de los investigadores, decidiendo que podría
hacer de su vida y su cuerpo su propio experimento de investigación,
actitud que ha mantenido. Debido a estos experimentos sobre sí misma
adquirió una hepatitis C. Es importante señalar aquí que Diamanda
se considera ante todo músico, sea cual sea la forma en que
represente esa música (de hecho grabó un disco de rock junto a John
Paul Jones, bajista de Led Zeppelin, y ha colaborado con gente como
Leonard Cohen o Recoil), razón por la que las piezas preparadas para
ser contempladas como performances son también incluidas en sus
discos de manera que, como ya se ha señalado, podemos imaginar,
sentir y empatizar con su escucha de manera tan fuerte como se podría
conseguir viéndola en directo (yo mismo la he visto 2 veces en
directo y tengo toda su discografía que escucho a oscuras, y ambas
experiencias son igual de intensas, con sus diferencias y sus
analogías). Es por este motivo que resulta importante recurrir aquí
a la tan manida pregunta no ya de si es arte o no, pregunta que se
creía superada tras "La muerte del arte" de Danto pero que
en la práctica se sigue planteando aunque en este caso es difícil
negarlo, sino si es música o no. De hecho he constatado entre mis
amigos cómo no se formulaba en forma de pregunta sino de
aseveración: "Esto no es música, es ruido". Probablemente
esta gente opinará lo mismo sobre una ópera china si es que no ha
escuchado nunca ninguna, a pesar de la innegable musicalidad incluso
de los gritos más desgarradores de Diamanda sin ningún otro
acompañamiento, musicalidad debida a la acertada combinación de
sonidos. Probablemente también esta gente perciba aspectos en la
obra de Diamanda que todos podemos llevar dentro y que nos
aterrorizan, actitud que repugna a Diamanda al llevar a la
marginación de determinados colectivos. Como ya se ha indicado, es
la propia Diamanda la que se negó a ser una clasicista pianista y
cantante de ópera imitadora, aunque reúne todas las aptitudes. No
sólo porque no pare de versionar temas clásicos de blues sino
porque lo que pretende es precisamente lo mismo que ese género
musical, materializar el dolor y las emociones y hacer partícipes de
ellas a los demás, ella misma se define como cantante e intérprete
de blues, además de versionar también en ocasiones temas de
flamenco sin que para mi sorpresa expertos en flamenco adviertan las
analogías entre el "quejío" flamenco y los
desgarramientos de voz y los lamentos de Asia Menor a los que
Diamanda recurre constantemente.
Debido a que no se
puede encontrar una performance de la pieza analizada en relación
con toda la persona de Diamanda Galás y su proyección social y
artística, adjunto 3 links a cortos vídeos, pudiéndose ver en el
primero cómo Diamanda juega con diversos micrófonos y una
"partitura cinemática", al igual que en "Wild Women
with Steak-Knives", y en los siguientes la importancia que le da
a la decoración, la puesta en escena y el movimiento de su propio
cuerpo en sus performances.
Considero conveniente
mostrar una actuación de Diamanda en la que versiona una jota
asturiana como si se tratara de "cante jondo" para dejar
constancia de su faceta como "mera" músico:
Tras el
análisis de "Wild Women with Steak-Knives"
contextualizando la pieza con el resto de la obra de Diamanda y su
propia vida e ideología, aspectos prácticamente inseparables, como
conclusión quizás no quede más remedio que lanzar preguntas al
aire. ¿Es Diamanda Galás feminista, al contrario incluso machista
para según qué tipo de feministas, o va más allá de cualquier
tipo de sexismo? ¿Conduce al pesimismo la letra del tema o anima a
una actitud fuerte ante la vida y la muerte? En base a la conducta de
Diamanda en el plano artístico y su vida cotidiana, ¿es Diamanda
performer? ¿Accionista? ¿Situacionista? ¿"Mera" músico?
¿Todo ello o nada de ello? ¿Dentro de qué movimiento y/o género
musical se inscribe "Wild women with Steak-Nives"? Quizás
todos estos nuevos "ismos" no sean más que el síntoma de
unos analistas academicistas incapaces de entender la sociedad y el
arte actuales y empeñados en seguir clasificándolo todo en base a
la metodología del pasado sin que hoy en día tenga ya demasiado
sentido.
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